Monografias | Historia del arteHistoria del arteResumen: Conceptos básicos. Origen del dibujo. Concepto de dibujo artístico. Instrumentos y soportes utilizados. El arte en la historia. Arte. Arquitectura. Escultura. Pintura. Artes visuales. Época paleolítica. Arte Egipcio. Arte Griego. Arte Romano. Arte Románico. Época Medieval. Arte Gótico. Arte Bizantino. Renacimiento. Principales causas del Renacimiento.(V)
4.
Instrumentos y soportes utilizados
6.
Bibliografía
- ARTE:
Acto mediante el cual, valiéndose de la materia
o de lo visible, imita o expresa el hombre lo material o lo invisible, y crea
copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos denominar como Arte a toda
creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a
sus propios patrones de belleza y estética. El artista para crear, requiere ante
todo estar dotado de imaginación, a través de la cual responde al vasto y
multiforme mundo externo expresando sus sentimientos por medio de palabras,
formas, colores y sonidos.
-
ARQUITECTURA:
En un sentido
corriente, la Arquitectura es el arte de construir, de acuerdo con un programa y
empleando los medios diversos de que se dispone en cada época; así podemos
definirla como el arte de proyectar y construir estructuras. La misma tiene un
sólido fundamento científico y obedece a una técnica compleja, por esta razón se
dice que sólo es arte cuando la construcción es expresiva de la voluntad
espiritual de una época y esa expresión arquitectónica es el resultado de todos
los elementos constitutivos que emanan esencialmente de las relaciones que se
entablan con el espacio que conforma la obra y el espacio que lo circunda. De
allí cabe resaltar que la Arquitectura es el arte de conformar el espacio,
transformándolo. En sus más acabadas manifestaciones, la Arquitectura logra unir
la belleza y la utilidad, a tal punto que una depende de la otra, pues una obra
no es hermosa si no se adapta al fin para el cual se destina.
- ESCULTURA:
La
Escultura es el arte de crear formas expresivas de tres dimensiones reales, sean
volúmenes, cuando se emplean materiales compactos, sean objetos en los que
predomina el espacio, apenas delimitado o indicado mediante ejes que lo
recorren, cuando se emplean materiales que pueden reducirse a hilos, cintas,
cuerdas, etc. o materiales transparentes. La primera forma es la tradicional, la
segunda se desprende del carácter que tiene la escultura de vanguardia, pero
ambas afirman la tridimensionalidad. El escultor tradicional crea formas
volumétricas modelando una sustancia dotada de cierta plasticidad, como la cera
y la arcilla húmeda, o tallando materias duras como la piedra, el granito, la
madera, el marfil, o bien haciendo moldes que le permiten reproducir en relieve
lo que aquellos representan en hueco. El escultor moderno crea formas espaciales
utilizando piezas de hiero fundido, hilos de alambre, cintas de acero,
filamentos de madera, cuerdas de violín y materiales plásticos variados.
- PINTURA:
Arte que representa en superficie plana cualquier objeto real o imaginario por
medio del dibujo y el color. Los testimonios más antiguos del arte humano son
dibujos y pinturas que los primitivos habitantes del planeta dejaron en cavernas
prehistóricas, estas pinturas fueron llamadas Rupestres. Desde el punto
de vista técnico la pintura se dice que es al fresco cuando se aplica a
paredes y techo usando colores disueltos en agua y cal; al óleo cuando ha
sido elaborada con colores desleídos en aceite secante, por lo general sobre una
tela. La pintura al pastel se efectúa con lápices blandos y pastosos; la
acuarela emplea colores transparentes diluidos en agua; a la aguada
se llama el procedimiento de emplear colores espesos, templados con agua de goma
y miel; pintura al temple es la preparada con líquidos glutinosos y
calientes, en ella se emplea entre otros productos, el agua de cola. En la
llamada de porcelana se usan colores minerales endurecidos y unidos por
medio del fuego.
- ARTES
VISUALES:
En su sentido
más general, son las que se relacionan con la impresión e ilustración, las que
se expresan por medio de gráficos e imágenes; abarca todas las artes que se
representan sobre una superficie plana. Las Artes Visuales tienen como función
el comunicar lo que el artista desea expresar por medio de un lenguaje visual,
atendiendo tanto a los elementos compositivos como a los principios
compositivos, para que la obra en sí resulte agradable y de buen gusto para
quien la observe.
Desde la prehistoria el hombre trató de reproducir en las paredes de las grutas
las formas de los animales que había observado, logrando representar sus
movimientos, la masa y la forma de los cuerpos; así, nace este arte que es uno
de los primeros practicados por el ser humano, que siempre ha procurado
representar los objetos como sus ojos los veían. El hombre a través del tiempo
deja su huella traduciendo la impresión que le transmite un objeto reproduciendo
su forma, su tamaño y su volumen, bien por medio de un trazo, como en el arte
egipcio, griego y japonés, bien sugiriendo sobre todo el aspecto del relieve por
el juego de las sombras y de la luz; este último modo de expresión es ya visible
en los frescos de Pompeya y en los artistas del Renacimiento italiano, como
Leonardo De Vinci. En términos generales, este arte se ha desarrollado en
función de las condiciones de existencia de cada época, de cada cultura y de los
progresos y conocimientos acerca de los instrumentos y técnicas utilizadas por
los artistas.
4.
INSTRUMENTOS Y SOPORTES UTILIZADOS
Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general,
los instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el
carbón, el pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de
las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita
utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas
primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando
pinceles de plumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos
negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverización de
arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o con
jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera,
piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para
después trazar el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que
al contacto de los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una
reacción química, dando como resultado la fijación de los pigmentos. Los romanos
emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la
encaústica en retratos. En el arte de la Edad Media se destacan los mosaicos,
muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado, cortados en pequeños trozos,
sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de tamaño grande todavía
se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y mezclados con algún
aglutinante; el agente más común era la yema de huevo, adelgazada con agua hasta
donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco, aplicado previamente en
una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un método parecido que
se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros, fue muy utilizado.
Las técnicas pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al temple y
al óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz y la
sombra en La Virgen de las Rocas, de Leonardo, o en Mujer bañándose en un
arroyo, de Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos
coloreados se mezclaban con aceite y se diluían, para darles la consistencia
conveniente, con una mezcla de aceite de linaza y aguarrás. Los pintores
Flamencos, como Van Eyck, usaron el método transparente, que consistía en
aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo blanco, la obra se pintaba
por secciones y al terminar cada una, se dejaba secar el exceso de aceite.
- PREHISTORIA
ÉPOCA PALEOLÍTICA
Las manifestaciones pictóricas de esta época son llamadas pinturas
rupestres. Estas pinturas se han localizado en diversas regiones del mundo,
generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes
dimensiones. La pintura rupestre responde a la expresión de una cultura
cazadora, se le atribuye un carácter mágico – religioso porque se presume fueron
realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban
eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran
líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la
cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente. A esta primera fase
del arte rupestre se le ha denominado Auriñaciense, en esta fase las figuras
aparecen hechas con trazos burdos, los animales los realizan de perfil y las
figuras se presentan aisladas. Luego, hay una segunda fase, la Solutrense, en
donde se observan ciertas figuras moldeadas, interviene el color y los perfiles
aparecen paralelos; posteriormente, hay una tercera fase llamada Magdaleniense,
en ella se presentan escenas de caza, de lucha, etc. y se observa una asociación
de la figura humana con la figura animal en las representaciones, hay variada
policromía y el empleo del claroscuro como elemento expresivo. Hacia finales del
Paleolítico, la característica esencial de las pinturas es la esquematización de
las formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.
PINTURA:
Las primeras manifestaciones
pictóricas provienen de la época paleolítica o de la Piedra Tallada, a esta se
le denominó Pintura Rupestre. Estas pinturas se han localizado en diversas
regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando
grandes dimensiones. Responden a la expresión de una cultura cazadora, se le
atribuye un carácter mágico-religioso porque se presume fueron realizadas como
rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran de
animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran líneas
trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva,
luego interviene el color, rojos y negros mayormente. Hacia finales del
Paleolítico, la característica esencial de la pintura rupestre es la
esquematización de las formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.
ESCULTURA:
Del Auriñaciense datan las primeras esculturas de forma humana. Son figuras
femeninas, en hueso, marfil o piedra, de pequeño tamaño, relacionadas con el
culto a la fecundidad. Se las conoce con el nombre genérico de Venus. Entre las
más conocidas tenemos a las Venus de Willendorf, Lespugue, Savignano y Grimaldi.
- ARTE EGIPCIO
La
pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio
excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de
religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las
formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen
atractiva, mágica, natural y contemplativa. Con respecto a la representación de
la figura humana, esta se caracteriza por los siguientes rasgos: Ley de Torsión
o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies
de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo
seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos
tipos de armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter
decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas
y palacios.
PINTURA:
La pintura egipcia posee una sensibilidad
artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un mensaje
estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la
pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una
gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. La
representación de la figura humana se caracterizó por los siguientes rasgos: Ley
de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos,
vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista.
Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando
diversos tipos de armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter
decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas
y palacios.
- ARTE GRIEGO
Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios
del Mediterráneo habitados por los griegos. Se caracteriza por su idealismo
estético, proporcionalidad, equilibrio de los elementos y su interés por
reflejar la expresividad genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron
una gran perfección en el dibujo. El atletismo, tan cultivado por estos pueblos,
brindó a los artistas sus mejores modelos. La sencillez, el ritmo, la claridad y
la unidad dominan todas sus formas artísticas; así, los griegos alcanzaron sus
mayores logros en la cerámica, la escultura y la arquitectura.
El arte griego
comienza aproximadamente en los siglos V y IV. Se caracterizó por darle a sus
obras el mayor sentido de la proporcionalidad, por expresar armonía y equilibrio
de elementos y por reflejar una genuina expresión de humanismo. Grecia, es una
pequeña península situada al sureste de Europa. Pero en este pequeño país
nacieron las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal
modo que nuestros conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la
filosofía, la ciencia y el arte de los griegos.
ARQUITECTURA:
En la arquitectura griega no se empleó ni el
arco ni la bóveda. El elemento sustentador de sus monumentales obras fueron las
columnas. El sistema de construcción utilizado fue el adintelado. Se destacan
por orden jerárquico, los templos como exponentes principales, luego, los
teatros, las acrópolis, los propileos, los estadios, los gimnasios y las
palestras, las ágoras y los monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas
de columnas dieron origen a los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico,
Jónico y Corintio.
MATERIALES UTILIZADOS:
Los griegos
usaron de manera preferente el mármol, el cual pulían de forma cuidadosa;
también emplearon la piedra.
ESCULTURA:
La escultura griega no está sujeta ni a
reglas ni a convencionalismos. El escultor tiene libertad de expresión, sin
embargo, toda ella busca y logra la perfección humana, por tanto es una
escultura dedicada a exaltar la fuerza física, la perfección de los rasgos, el
movimiento y la expresión de la divinidad. Su tema central gira en torno a la
figura humana. La escultura griega pasa por 3 períodos épocas o fases
evolutivas, con características propias en cada una de ellas. Estas son:
- Arcaica:
Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan un estilo y una
técnica propios. En ella aparece la figura femenina y masculina, al inicio estas
figuras eran de tipo hierático, sin movimiento, pero luego surgieron ideas de
movimiento, los brazos se despegan del cuerpo y el rostro expresa una curiosa
sonrisa. Las esculturas eran hechas como ofrenda a los deportistas. Son de esta
época: El Kouros de Anavyssos (atleta), la Dama de Auxirre o Xoana (doncella
vestida), la cabeza del caballero Rampios, etc.
- Clásica: esta época significó el período de mayor
auge en todas las manifestaciones artísticas y literarias. Los escultores logran
la perfección de sus técnicas, así como las mejores piezas escultóricas, en
donde se observa la magnificencia de la figura humana. Esta época tiene 2
períodos: el estilo Sublime, en el que se destacan escultores como Mirón, Fidias
y Polícleto, y el estilo Bello, donde se destacan Scopas, Praxiteles y Lisipo,
ambos estilos tenían características propias.
- Helenísta: esta época corresponde al fin del arte
griego, las obras de esta época toma modelos de las anteriores,
perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de realización, entra la
figura del niño como tema. La escultura adquiere caracteres de monumentalidad,
dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a un
primer plano. En este período surgen diferentes escuelas, entre las más
importantes: las Escuela de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría.
PINTURA:
Muy poco es lo que se conoce de los pintores
griegos, sin embargo, si es de conocimiento la maestría que se manifestaba en
los increíbles efectos de realismo que sabían producir por descripciones de
algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son
copias y fragmentos que no dan una idea clara de cómo era aquella pintura. Se
destacan: Polignoto, Apolodoro de Atenas, Agatarco de Samos, Zeuxis, Parrasio y
Apeles.
CERÁMICA:
Esta constituye en las artes menores la
mejor y más variada expresión en lo que a decorado y pintura se refiere. Esta
variedad nos da una muy completa evolución de su cultura. Con un estilo y
técnicas propias, se caracteriza por tener formas variadas y originales,
predominan los elementos geométricos dispuestos en franjas, las tonalidades del
barro, desde el amarillo hasta el gris castaño, presenta figuras en rojo sobre
fondo negro o rojo el fondo y figuras negras, predominan formas animales y
humanas.
- ARTE ROMANO
Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la
época del Imperio. Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta
el siglo IV después de C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero
en realidad fue más variado, más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al
arte moderno; así, su influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento
fue notable. Sus mayores logros los presenta en el desarrollo de la
arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la realizaban a servicio de esta,
predominando los murales. Los temas eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas
heroicas, paisajes, marinas, naturaleza muerta y el retrato. A partir del siglo
I, se observan dos corrientes pictóricas o estilos: el estilo Neoático, que se
preocupa por la forma humana, resaltando asuntos de la mitología y epopeya y el
estilo Helenístico - Alejandrino, que pone de manifiesto la preocupación por la
pintura rural, se cultivan el paisaje y las marinas. Al iniciarse el siglo II
hasta el 79 de nuestra época (pintura en Pompeya), se observan cuatro estilos:
de incrustación, alejandrino o arquitectónico, ornamental y fantástico.
Roma fue un pueblo de labradores, de comerciantes, de guerreros. Los
romanos mostraron mayor interés por las cosas prácticas y sus obras artísticas
llevan siempre un sello utilitario. Pueblo dominador, fundador de un vasto
imperio, el romano tuvo por preocupación fundamental mantener el dominio sobre
los territorios colonizados, para lo cual movilizó poderosos ejércitos, dio vida
a un denso cuerpo de leyes que apretó los lazos entre la metrópoli y las
provincias, y desarrolló una gigantesca labor constructiva con un variado
repertorio de formas arquitectónicas perfectamente adaptadas a sus fines. Sus
dos grandes realizaciones fueron el Derecho y la Arquitectura, pero su mérito
principal es haber extendido la civilización grecolatina por una vasta parte del
mundo conocido.
ARQUITECTURA:
Su finalidad es utilitaria, está concebida en función de las necesidades
privadas y públicas. Expresa la voluntad de poder y de mando del Estado romano,
que se erige como rector de la vida privada y pública de sus ciudadanos. Es
monumental, hecha pensando en la glorificación de Roma y para resistir el paso y
el peso del tiempo. Más que la belleza busca la majestad y la robustez, por lo
que se muestra en grandes masas sólidas y pesadas. Expresa el ideal de
uniformidad del Imperio, que aspira a que todos los pueblos sujetos a su dominio
asuman una fisonomía material a imagen y semejanza de la Urbe. Alterna dos
sistemas conocidos: el de la columna y dintel (copiado de los griegos), y el
arco y bóveda (tomado de los etruscos). Sus principales monumentos fueron: el
templo, la basílica, las termas, los teatros, los anfiteatros, los circos, etc.
LA ESCULTURA:
Se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo y su tema casi
central es el retrato. En sus comienzos, la influencia etrusca se hace presente
en algunos bronces, luego la influencia griega a través de los escultores
helénicos que vivían en Roma o en la Magna Grecia, así como de las obras
descubiertas en suelo griego y llevadas a Roma, impulsa la corriente idealista.
El enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del período
republicano.
PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS:
Creada con un destino utilitario que se cumple en su función narrativa,
honoraria o descriptiva. Más que un arte es una artesanía supeditada a
exigencias religiosas honoríficas o conmemorativas. Cultiva con preferencia el
retrato llevándolo a su máxima identificación con el modelo. Es un arte
naturalista. Es una obra anónima.
PINTURA:
La conocemos a través de los frescos hallados en la ciudad de Pompeya, que
suelen ser copias griegas o caprichos decorativos de gracia picaresca como
cupidos, pájaros, cintas, flores, etc. Los temas son históricos, mitológicos
paisajísticos y marineros. También en ciertos períodos se hizo una pintura
arquitectónica, que imita a los elementos constructivos. Lo interesante de la
pintura romana es la técnica de manchas de color al temple, aplicadas con
brochazos sueltos, sin detallar, a la manera impresionista y con efectistas
toques de sombra y luz. También en la pintura domina el gusto realista por lo
que los temas preferidos, son el retrato, la caricatura y el paisaje.
- ARTE ROMÁNICO
Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el
período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa un arte al que se
le da el nombre de Románico. Este nombre hace referencia a la fuente en que
tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos de
edificios y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha denominado
románico, por la semejanza con el vocablo romance, el cual designa los idiomas
derivados del latín.
ARQUITECTURA:
Es una arquitectura religiosa, de creación monástica, porque son los monasterios
y los conventos los que la impulsan. Su edificio tipo es la Iglesia. Expresa el
ideal de austeridad y recogimiento, de disciplina y penitencia. Desde el punto
de vista técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, por ser
estos sus elementos funcionales básicos. Tiene una apariencia robusta y pesada.
El principio de sustentación es estático, pues enfrenta masa contra peso.
Presenta un exterior sobrio, de muros desnudos y lisos, interrumpidos nada más
que por los elementos de refuerzo, que van incorporados a la estructura. Otros
elementos constructivos: contrafuerte, columnas, pilares, cúpulas.
ESCULTURA:
Está subordinada a la arquitectura, que determina los lugares y espacios que
deben cubrirse con relieves o estatuas. Su finalidad no es artística sino
didáctica: dar a conocer a los fieles las figuras y verdades sagradas para su
instrucción religiosa. Estilización y desproporción: las figuras no guardan las
proporciones naturales. Tampoco guardan la debida perspectiva ni la relación de
tamaños que se debe a la diferente profundidad a que están las figuras. En los
relieves, la diferencia de tamaño significa la importancia del personaje.
Composición simétrica: las escenas se componen, guardando una relación
simétrica. En los tímpanos, la composición tiene siempre como eje la figura de
Cristo.
PINTURA:
La pintura románica tiene un desarrollo notable,
pues las vastas extensiones de pared lisa eran apropiadas a la decoración
pictórica; por ello, también la pintura era un arte subordinada a la
construcción. La falta de perspectiva, los colores planos, la composición
simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que
muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental
a través del arte de Bizancio. La técnica empleada es la del Fresco, notables
ejemplos son las iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos
abstractos de significado simbólico; y las iglesias italianas, donde las escenas
religiosas pintadas muestran ya cierto empeño en copiar la naturaleza con
fidelidad.
- ÉPOCA
MEDIEVAL
El arte de la Edad Media es
esencialmente religioso, aunque haya producido obras maestras de carácter
profano; la época medieval podemos dividirla en cuatro, ya que fue un largo
período en las que se produjeron distintos estilos de arte; el primero fue
llamado Paleocristiano, cuya pintura se inicia en las catacumbas, está llena de
simbolismo y cabe destacar la realización de los muy famosos mosaicos, los
cuales eran de un gran colorido y los temas eran litúrgicos, figuras de Cristo,
apóstoles, la cruz, etc. Luego, nace el arte Bizantino en la época de
Constantino; en cuanto al dibujo y la pintura, adquiere características propias,
los artistas realizaban excelentes mosaicos centrados en la representación de
acontecimientos bíblicos en las cuales se observa que las figuras representadas
poseen un hieratismo bastante acentuado que siempre están colocadas de frente.
El Románico, denominado así por la semejanza con el vocablo “romance” que
designa a los idiomas derivados del latín, se encargó de decorar el interior de
muchas basílicas e iglesias. Durante este período se pinta sobre ábsides y
bóvedas figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la
pintura románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los temas
solían ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también
realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas ilustraciones de biblias y
evangelios. Por último, aparece el arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres
connotados fenómenos de la Edad Media: la formación de la clase burguesa, el
desarrollo comercial y la industrialización. La pintura gótica fue expresiva y
realista, manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se
introduce como modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se presentan
estilizadas y poco modeladas. Esta pintura casi desaparece por completo de las
catedrales, puesto que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta manera
queda reducida a miniaturas de libros, tapices y retablos.
- ARTE GÓTICO
Entre los siglos XII y XV, florece en Europa un
arte poderosamente original, que fue llamado, un tanto despectivamente Gótico,
en el sentido de bárbaro, por suponerse que sus creadores habían sido los
pueblos germánicos que ocupaban el centro de Europa, y a los cuales se les
designaba con el nombre de Godos. También se conoce este arte como Ojival, por
la forma apuntada (en ojiva) de sus arcos y bóvedas, que recuerdan una punta de
lanza de filos curvos. Los primeros monumentos góticos se levantaron cerca de
París, en la región llamada Isla de Francia. Aquí se construye en el año 1140 el
coro de la abadía de Saint Denis, y en el 1163, se da comienzo a la catedral de
Nuestra Señora de París, obras en las que se resaltan los elementos propios del
estilo. De Francia pasó a todos los demás países de Europa, en cada uno de los
cuales adoptó variantes locales, pero con mantenimiento de sus rasgos
esenciales.
- LANCEOLADO (siglos XVII y XVIII)
Robusto, pesado y sencillo. Bóveda de cuatro
paños de perfil en punta de lanza.
- RADIANTE (siglos XVIII y XIV)
Esbelto, ligero, muy adornado con esculturas,
bóvedas de varios paños y formas.
- FLAMÍGERO O LLAMEANTE (siglo XV)
Arcos con ondulaciones de flama. Columnas muy
delgadas. Gran altura de naves y torres. Ornamentación escultórica apretada. Uso
del arco conopial y de la bóveda en forma de estrella.
ESCULTURA:
Las características de la escultura se pueden
observar en los santos, vírgenes, ángeles, reyes, profetas y figuras alegóricas
que llenan el interior y exterior de la construcción, haciendo de remate en
pináculos, cubriendo los frisos y las arquivoltas, los tímpanos y todos los
espacios posibles. Para dar idea de la decoración escultórica, bastará saber que
la decoración escultórica de la catedral de Chartres cuenta con más de ocho mil
figuras. Se destacan como escultores: Giovanni Pisano, Nicola Pisano, Andrea
Pisano, Klaus Sluter, Gil de Siloe y William Torell.
PINTURA:
En aquellos países donde el estilo gótico
alcanzó mayor desarrollo, la pintura mural fue perdiendo importancia, sustituida
por las vidrieras, y a partir del siglo XIV aparece la pintura sobre tabla,
consistente en pequeños altares portátiles y retablos, formados por uno o varios
paneles. Tratan temas religiosos, con gran finura de detalles en la figura
humana, pero sin profundidad. Los pintores se esfuerzan por lograr la
naturalidad y reproducen gestos y ademanes con exactitud, un poco exagerado
hacia lo dramático. Lo más hermoso de estas tablas góticas es el colorido, que
brilla con intensidad de esmalte. Se destacan: Jean Fouquet, Juan Van Eyck,
Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros.
Bizancio, pequeña ciudad griega que
había sido cabeza de una provincia romana, asciende de repente (año 330), por
decisión de Constantino el Grande, al rango de capital imperial con el nombre de
Constantinopla. Medio siglo después, el emperador Teodosio divide su reino entre
sus dos hijos, y crea dos Estados Independientes: el Imperio de Occidente, con
Roma como capital, y el Imperio de Oriente, con centro en Bizancio. La caída del
Imperio de Occidente (año 476) echa sobre Bizancio la herencia espiritual de
Roma y acrecienta su importancia como poder político y artístico, que le llegará
a su cúspide con el glorioso Justiniano. Pero la situación geográfica de
Bizancio, en las puertas de Asia; su alejamiento de las fuentes latinas y el
contacto estrecho y continuo con los reinos de oriente, influyen sobre ella en
forma que si, por una parte, mantiene su título de hija y continuadora de la
cultura clásica, por otra, Bizancio ofrece los rasgos de una monarquía exótica,
teocrática y despótica; fastuosa y bárbara, cuyas costumbres, gustos y
estructuras pertenecen más al mundo asiático que al grecolatino, lo cual se
refleja en su arte.
- RENACIMIENTO
El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e
intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes
donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se
liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya
no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno
personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza
como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la
pintura no se liberó en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente
evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. En el dibujo, los cuerpos
adoptan formas naturales y se vuelven plásticos; se procura destacar la
expresión facial, que algunas veces revela los grandes conflictos del alma, un
ejemplo de ello es la expresión de desesperación que Masaccio le dio a Eva en su
cuadro Expulsión de Adán y Eva del paraíso. En el siglo XV adquiere
preponderancia el retrato, a las personas pudientes les gusta retratarse de
busto o en medallón, y por tanto surge multitud de personas cuyos rasgos quedan
labrados en madera. Raramente se ve un desnudo entre la profusión de vírgenes y
santos, sólo con suma discreción se insinúa la mundana sensualidad en ciertas
representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las referentes a mártires y
pecadores. Al principio, la mayoría de las imágenes alusivas a la carne pecadora
se situaban en la periferia de grandes escenas decorativas, donde el artista
tenía más libertad de expresión; ya en el siglo XIV, se prefiere interpretar
estos temas por medio del desnudo femenino. Entre los representantes más
significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras
pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero, Tintoretto, El
Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio; de ellos, algunos como Leonardo de
Vinci, por ejemplo, destacó más como dibujante, ya que a través del dibujo
realiza sus famosos estudios anatómicos; sus dibujos están plenos de rasgos
finos pero firmes, destacando las expresiones humanas y también se puede
apreciar que están envueltos en una sutil y fina aureola de luz difusa. Se
llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico que se produce en
Europa, en Italia en primer lugar, a fines del siglo XV, y que muestra como
principal característica, que se manifiesta particularmente en las artes, su
admiración por la antigüedad clásica, que toma como modelo. El nombre de
Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso ser: un renacer o volver a
nacer de la cultura grecolatina. Comenzó como un movimiento orientado por
artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer
de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y
estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos
el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un
himno personal en alabanza a la belleza.
La cuna del
Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de
la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la
belleza. La cultura greco-romana había sido desplazada durante la Edad Media. En
esta época lo novedoso es el arte gótico y bizantino, pero en Roma, estas nuevas
concepciones artísticas, enmarcadas en el acto religioso no tienen mayor auge,
debido a los recelos de los sabios humanistas orientales que emigran a esta
ciudad después de la caída de Constantinopla; es así como al ser rechazado el
estilo gótico y bizantino, y puestas en un primer plano las antiguas formas
greco-romanas, surge el arte del renacimiento, que se expande por toda Europa
(Francia, Inglaterra, Alemania y la Península Ibérica, especialmente).
PRINCIPALES CAUSAS DEL RENACIMIENTO
- Conservación
en universidades y conventos medievales de valiosos manuscritos de autores
griegos y romanos.
- Uso del
latín como lengua culta, que hacía posible la lectura de las obras clásicas.
- La presencia
en tierra Italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en los curiosos el
deseo de conocer la civilización que había levantado tales monumentos.
- La invención
de la imprenta, que contribuyó a la difusión de los escritos de los poetas,
filósofos y sabios de la antigüedad y de los modernos.
- Los
descubrimientos geográficos, el avance de las ciencias naturales y el progreso
de las técnicas que inspiran una confianza ilimitada en el poder de la
inteligencia humana y estimulan a la acción.
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA
- Imitación de
la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización
de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
- Búsqueda de
la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
- Creación de
obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal,
les dan una validez permanente.
ETAPAS DEL RENACIMIENTO
- PRERRENACIMIENTO O TRECENTO:
siglos XIII y XIV. Coincide con el período gótico europeo.
- QUATROCENTO: llega hasta finales del siglo XV y su
centro cultural es la ciudad.
- CINQUECENTO: llena todo el siglo XVI y su cabeza es
Roma.
La
arquitectura del renacimiento empleó los órdenes clásicos (jónico, corintio y
dórico), combinándolos entre sí en un mismo tipo de construcción, pero no tal y
como aparecen en la arquitectura grecorromana sino al amparo de la inventiva y
originalidad del arquitecto renacentista, de esta manera surge el estílo
“colosal” propio de esta arquitectura.
En este nuevo acontecer arquitectónico se le da
mucha importancia a la arquitectura civil, construyéndose los Palacios
Municipales, que presentan un aspecto de fortaleza, el Palacio de Habitación,
que es de inventiva renacentista y presenta en su exterior forma de cubo con
tres pisos, que culmina en una cornisa; y las Villas, que fueron construidas en
las afueras de Roma, tenían grandes pabellones con terrazas, escalinatas y
patios internos, jardines y parques.
La arquitectura religiosa
renacentista, utiliza en sus inicios la planta de la basílica cristiana, sin
embargo, el centro adquiere mayor importancia por el empleo de la Cúpula, que
desplaza a la ojiva gótica y presenta los famosos Ojos de Buey (aberturas
circulares). En relación con los elementos constructivos, tenemos que los muros
son de ladrillo o sillería, con apariencia robusta, las bóvedas usadas fueron:
las de “cañón seguido”, “rincón de claustro”, “de arista” y la “cúpula”; se usan
arcos de medio punto; las ventanas suelen ser de varias formas: rectangulares,
gemeladas (dos arcos de medio punto subdividido en otros dos), con alfeizar
saliente, o en forma de tabernáculo.
En
lo que respecta a la decoración de las obras arquitectónicas, se observa que se
emplearon varios elementos, estos son:
- La Escultura:
cubre toda la superficie de los monumentos como un sutil manto, en sus inicios;
luego se realizan esculturas en bulto que adornan el conjunto arquitectónico,
posteriormente hay una gran profusión de ésta envolviendo por completo el
conjunto lineal arquitectónico.
- La Policromía Natural:
consiste en el empleo de diversos materiales naturales, los cuales al ser
combinados reflejaban una diversidad de tonos; por ejemplo, combinaron el mármol
blanco de las paredes con la piedra de los muros.
- El Esgrafiado:
consiste en realizar sobre las paredes finos relieves pintados con dos colores.
- Los Frescos y Mosaicos:
llenan las cúpulas y paredes interiores de la construcción, se empleó una
diversidad de tonos, los cuales los hacía muy llamativos.
- Los Frontones:
son de inventiva romana, colocados casi siempre sobre puertas y ventanas,
generalmente son rectilíneos, pero en ocasiones pueden ser triangulares o
curvilíneos.
- Las Pilastras:
son columnas que se colocan contiguas a una pared. Las pilastras tienen sus
orígenes en la arquitectura romana.
- ITALIA: Filippo Brunelleschi, Donato Bramante
da Urbino, Rafael Sanzio, Miguel Ángel Buonarroti.
- ESPAÑA: Diego de Siloé, Juan Herrera.
- FRANCIA: Salomón de Brosse.
El origen de la escultura
renacentista se remonta al siglo XIII, en Toscana, con el escultor Incola
Pisano, quien se encarga de esculpir del púlpito del Baptisterio de la catedral.
Este escultor es el que se atreve a exteriorizar la ruptura con la severidad
bizantina y con las ideas artísticas del arte gótico, pero su obra queda
aislada.
Es en los siglos XIV y XV, donde se
comienza la época de mayor furor de la escultura renacentista. En esta época se
advierte:
a.
Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o natural.
b.
Expresión de los sentidos y pasiones humanas.
c.
Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos.
d.
Temáticas diversas: mitología, religión, historia, leyendas, etc.
La escultura renacentista es el primer medio
expresivo que reacciona contra el estilo gótico. Esta presenta variaciones de
acuerdo con el siglo en que se desarrolla. Así es como al siglo XIII se denominó
Época Arcaica, los siglos XIV y XV, Época Clásica y el siglo XVI, Época Barroca.
Surgen los primeros intentos del
nuevo estilo escenificado en las obras de los “pisanos”, Incola, Giovanni y
Andrea Pisano.
Entre las características de estas primeras
obras tenemos:
-
Expresión de sentimientos humanos.
-
Inspiración en la antigüedad clásica.
-
Realización de “Madonas”.
-
Ropaje y accesorios profusamente
trabajados.
Durante estos siglos existe una gran
producción de obras de arte. La actividad artística se encuentra centrada en la
ciudad de Florencia sobre todo en el siglo XV. Sus principales representantes
son Donatello di Betto Bardi y Lorenzo Ghiberti. Además, cabe destacar la
importancia en este siglo de las obras escultóricas de los Della Robia, Andrea y
Lucca. Estos escultores, realizaron e introdujeron una nueva modalidad
escultórica-pictórica, los relieves realizados con barro cocido policromado y
vidriado.
Las características de esta época son, entre
otras:
-
Adornan monumentos (tribunas, coros,
sepulcros, etc.)
-
Diversificación temática.
-
Efectismo pictórico.
-
Gran destreza en la ejecución de obras
hasta llegar al perfeccionismo.
Durante este siglo la figura más
resaltante es Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza numerosas obras con
características muy propias, que lo distinguen de otros escultores de la misma
época, también sobresale la obra de Benvenuto Cellini, entre otros.
Entre las principales características de estas
obras tenemos:
-
Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.
-
Dominio anatómico.
-
Figuras llenas de abundante vitalidad.
-
Demostración de gestos y actitudes en sus
figuras.
-
Fuerte influencia clásica.
-
Materiales: bronce y mármol
preferiblemente.
La pintura renacentista está plena
de religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio estilo, en donde el
retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia.
Durante el renacimiento surgen
diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad donde se desarrollan,
entre estas se citan: la Escuela Florentina, la Veneciana, la de Siena, la de
Umbría, la de Parma, la de Verona, la de Padua, la de Milán y la de Carrara.
Los pintores también se agrupan,
pero por generaciones, así, tenemos los del Quattrocento (1400) y los del
Cinquecento (1500). Hay otra clasificación muy utilizada para caracterizar las
obras pictóricas del renacimiento, la cual es:
-
Renacimiento Temprano: que
abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 y cuyos representantes más
significativos son Fran Angélico de Fiesole, Masaccio, Piero della Francesca y
Sandro Botticelli, entre muchos otros, con pinturas verdaderamente grandiosas.
-
Alto Renacimiento: que
comprende el período que va desde el año 1500 hasta el año de 1527, en el cual
se destacaron famosos pintores: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Tiziano, Pablo
Veronés, Tintoreto, Rafael Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero, Jean Cousin y
el Greco.
CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA RENACENTISTA
-
Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios,
sacados de la religión, de la mitología o de la historia.
-
Es realista: las figuras humanas o de
animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado
porque se parezcan en todo a sus modelos reales.
-
El cuadro se presenta como un escenario:
un espacio cúbico, sugerido por medio de los recursos que enseña la perspectiva
geométrica recién descubierta y dan la ilusión de profundidad. El punto de vista
del pintor suele estar en el centro del cuadro.
-
La composición está sometida a esquemas
intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma simétrica en la
distribución de las figuras.
-
En cuanto a los esquemas de composición
preferidos, el triangular (con el vértice arriba o invertido) y el rectangular
con la división del espacio en segmentos áureos. En algunos casos, los
triángulos son dos combinados.
-
En general, es una pintura dibujística,
que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y considera el
color como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se
cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta.
-
Se da interés preferente al cuerpo
humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia
cuidadosamente.
-
A partir del siglo XV, se usará en vez
del temple, la técnica del óleo, inventada por los pintores flamencos, que
facilitará el desarrollo de la pintura de caballete.
Los grandes pintores del
renacimiento fueron dibujantes de primera. Los apuntes, bocetos y estudios que
conocemos de Boticelli, Durero, Buonarroti, da Vinci o Sanzio, quienes se
destacaron por su majestuosa obra pictórica, revelan gran maestría en el manejo
del lápiz. El que más se destaca como dibujante es Leonardo da Vinci, ya que a
través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómico. Su dibujo está pleno
de rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones humanas.
Sin embargo, el dibujo como técnica
independiente, con valor por sí misma, no fue considerado en la época, quedando
reducido sólo a un medio auxiliar de la pintura, para tomar apuntes rápidos del
natural o hacer estudios de composición, perspectiva, movimiento, anatomía y
otros aspectos del cuadro que iba a pintarse.
Las técnicas que solían emplear eran
el carboncillo, la sanguina, el lápiz y la tinta sobre papel. Pero si el dibujo
no tuvo mucho interés para los artistas del renacimiento, en cambio el grabado,
sobre todo entre los alemanes fue muy cultivado y se trabajó como una técnica
autónoma, paralela a la de la pintura, en sus dos formas principales: el grabado
en metal (calcografía) y el grabado en madera (xilografía), a cuya difusión
contribuyó el reciente invento de la imprenta en 1450.
- BARROCO
Este arte se desarrolló entre los
siglos XVII y parte del XVIII, su punto de partida fue Italia, Roma,
concretamente, donde dejó monumentos grandiosos en el orden de la arquitectura.
De Italia pasó al resto de Europa y llegó incluso a Rusia. A través de España,
el Barroco se difundió por toda América y alcanza su momento culminante en el
siglo XVIII.
ESCULTURA:
La escultura barroca muestra las siguientes
características:
MOVIMIENTO: las figuras se representan en alguna acción
violenta y en actitudes de esfuerzo y tensión. Las ropas participan también de
esta agitación y se arrugan en pliegues que revolotean como sacudidos por el
viento.
PATETISMO: gusta de la expresión de estados anímicos
emotivos tales como: éxtasis, miedo, ansiedad, etc., que los rostros traducen
con el más vivo verismo.
CLAROSCURO: se buscan efectos propios de la pintura, de
manera que los cuerpos se perciben como envueltos en una atmósfera luminosa.
TEATRALIDAD: existe una propensión a lo exagerado y a
las actitudes elocuentes que hacen de ella una representación dramática.
- EL ROCOCÓ
Estilo característico del siglo XVIII europeo,
que sucedió al barroco y precedió al neoclásico. El término procede del francés
Rocaille, que designaba en el siglo XVII la decoración de las grutas y jardines
renacentistas a base de conchas. El Rococó floreció principalmente en Francia,
en un principio junto con el barroco, hasta que adquirió un lenguaje propio que
se difundió por toda Europa. Mientras la arquitectura conservaba su rigidez de
origen clásico, los elementos decorativos del rococó aportaron fantasía y
elegancia a las construcciones, pero fue sobretodo en los interiores donde la
decoración rococó consiguió los mayores logros.
ARQUITECTURA:
Los adornos que, representando falsas rocas,
adheríanse a la arquitectura de las grutas y las cascadas, llamados rocallas,
fueron el principal elemento nuevo, introducido para sustituir el rígido sistema
de los órdenes clásicos, para evocar en la arquitectura el frescor y la alegría
de lo primitivo y lo campestre. Los palacios son los primeros en adoptar como
elementos básicos caprichosos recuadros, columnas esculpidas, conchas, etc.
ESCULTURA:
Alemania acogió el rococó con tal entusiasmo que
le fue difícil desprenderse de él . Un gran escultor del siglo rococó fue Andrea
Schluter, autor de la efigie ecuestre del elector Federico Guillermo, en la cual
puede observarse como el movimiento de masas y líneas, que en el tiempo barroco
afectaba solamente a la concepción del conjunto, en el siglo XVIII fue utilizada
como un detalle para dar vida a cada pormenor de los cuerpos.
PINTURA:
El carácter de la época rococó, enamorada de la
intimidad, favoreció en pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del
retratismo. Este hubiese carecido de gracia sin el realismo, y por tanto, se
inspiró en la pintura holandesa y flamenca, especialmente en Van Dyck. El
cliente ya no es el Rey, con las grandes necesidades decorativas de un palacio,
sino que se halla entre los nobles y burgueses adinerados a los que ha dejado de
interesar las composiciones históricas y mitológicas, aunque a menudo, se
complacen todavía en hacerse retratar caracterizados como personajes de fábula.
-
NEOCLASICISMO
Fue un movimiento que se produjo en Europa en el
siglo XVIII ante los cánones ya agotados del clasicismo, al producirse el
desgaste de las culturas barrocas, que aspiraba restaurar el gusto y las normas
del clasicismo. En la época neoclásica, el color pasa a un segundo plano y
adquiere mucha importancia el dibujo; es decir, el trazo puro, y el color es
aplicado sólo como complemento. Este arte trató de imitar los estilos utilizados
antiguamente en Grecia y Roma, por la influencia de los descubrimientos
arqueológicos como los de Pompeya y Herculano. En pintura David fue el máximo
exponente del neoclasicismo francés, que contó con pintores como Gross, Gèrard,
Prud´hon e Ingres, aunque en algunos de ellos ya apuntaba el germen del
Romanticismo, movimiento estético que habría de suceder al neoclasicismo.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
Inspiración en las obras de la época clásica,
que se tienen por perfectas y definitivas.
Aspiración a una belleza ideal, nacida de la
exacta relación de las partes, según medidas dadas por la razón.
En las artes plásticas: dibujo impecable,
contornos cerrados, volúmenes modelados de modo que da la ilusión de redondez de
los cuerpos; colorido suave y composición simétrica y estática.
ARQUITECTURA:
Se caracterizó por la simetría, la elegancia y
la sobriedad, el empleo de un solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de
la superposición barroca); además del énfasis sobre los valores lumínicos, la
división tripartita de la fachada con tímpano central, la eliminación del color,
el gusto por los arcos de triunfo y las columnas conmemorativas.
ESCULTURA:
Los escultores centran su interés en los ideales
estéticos y los procedimientos técnicos de la estatuaria antigua. El italiano
Canova fue el más destacado, seguido del danes Thorvaldsen, educado en Roma;
otros representantes de la época son: Bartolini, Rude, Pradler, Flaxman, entre
otros.
PINTURA:
Tomó como modelo la estatuaria antigua y el
siglo XVI italiano (Rafael). El artista que contribuyó de modo definitivo a
afirmar el nuevo estilo fue David, quien influyó en artistas franceses de la
talla de Ingres, Gerard y Prud´hon. En E.E.U.U. la influencia italiana e inglesa
se fundieron.
- ROMANTICISMO
Aparece en Francia a principios del
siglo XIX como una reacción violenta contra la frialdad del neoclasicismo. Si
este significaba la razón, serenidad y límite, el romanticismo era imaginación,
pasión e infinito.
CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES
SUBJETIVIDAD:
el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas.
LIBERTAD DE EXPRESIÓN:
no hay reglas fijas, sino que cada artista puede manifestarse según su gusto y
según las exigencias de la propia obra.
SUPREMACÍA DEL FONDO SOBRE LA FORMA:
lo importante es lo que el artista expresa y no cómo lo hace. La forma de decir
es secundaria y debe estar determinada por la naturaleza del contenido.
ESCULTURA:
El movimiento tuvo sus orígenes en la primera
mitad del siglo XIX y representó una reacción contra la rigidez académica y la
afirmación de una libertad y eclecticismo absolutos. Se abandonaron los modelos
de la antigüedad clásica a favor de los ideales medievales.
- REALISMO
El realismo surge como oposición al
idealismo de clásicos y románticos, proponiendo una realidad objetiva de los
temas de la vida común; el hombre debe aparecer dentro de su ambiente habitual,
y su trabajo cotidiano tiene que ser un motivo de fecunda inspiración. El
término realismo fue adoptado por un movimiento artístico que apareció en
Francia a raíz de la revolución de 1848 y que tuvo como principal representante
al pintor Gustave Courbet, cuyo arte representó las inquietudes sociales que
invadieron a Europa a mediados del siglo XIX.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
Temas sacados de la vida real, sobre todo de la
vida humilde y trabajadora, expuestos con sentido de crítica social.
Presentación de lo bello y lo feo como son, sin
idealizarlos.
Dibujo vigoroso, aunque no sea correcto;
colorido sobrio e interés por los contrastes del claroscuro.
Técnica: la que proporciona la más completa
identificación entre lo pintado y la naturaleza.
Representantes: Courbet, Daumier y
Rousseau.
La
primera exposición presentada por un grupo de impresionistas tuvo lugar en 1874
y el nombre les fue aplicado con intención de ridiculizarlos, por los críticos
que no veían con buenos ojos el nuevo estilo. Los impresionistas querían captar
la cualidad de la luz y de la atmósfera en una hora particular del día a través
de las cuales se ven los objetos, pues su condición determina la apariencia de
estos. La posibilidad de retratar la luz en términos de la pintura fue resultado
del nuevo análisis científico de los colores. El fundamento de este movimiento
pictórico se centra sobre la base de que a nivel cerebral las manchas separadas
de color se unen; así, una mancha junto a otra azul, da por resultado un color
verde si se miran desde cierta distancia. Este principio lo tomaron en cuenta
los pintores impresionistas al realizar sus lienzos. La combinación de colores
puros ya no se hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino que será el cerebro
del espectador el que los una para formar así las figuras. Se consideran
iniciadores de este movimiento a los artistas Claude Monet y Edouard Manet;
también se destacan Edgar Degas, Pierre August Renoir y Camille Pizarro. El
manejo de la luz es la característica primaria, a través del estudio de ella se
logrará verificar que un mismo paisaje se verá distinto de acuerdo con la hora
del día en que se pinte. A la par de los grupos impresionistas, nace un nuevo
grupo de pintores que logran perfeccionar las técnicas y posibilidades
colorísticas impuestas por este movimiento, estos son llamados Neoimpresionistas
o Postimpresionistas, destacan en este movimiento Paul Cézanne, Gauguin,
Vincent Van Gogh y Henri Toulouse Lautree.
- EXPRESIONISMO
Fue un movimiento
artístico plástico emparentado con la literatura; nace en 1890 en Alemania y en
los países del norte de Europa, se extiende hasta bien entrado el siglo XX.
Destacan en este movimiento los artistas plásticos Edward Munch, Gustav Kimt,
Oskar Kokochka, Emil Nolde y Georges Rouault. La pintura expresionista busca y
logra expresar violentas emociones, va de dentro hacia fuera, al contrario de la
impresionista que va de fuera hacia dentro. Su objetivo fundamental era crear
impetuosas reacciones en el espectador, por medio de sentimientos y emociones
del artista, expresados con audacia de formas y rígido colorido.
- FAUVISMO
En 1905 un grupo de jóvenes pintores
expuso sus obras y para designar su estilo, los críticos acuñaron el nombre de
Fauvismo por parecerles que aquellos artistas eran fauves (fieras). Como
movimiento artístico no duró más de cinco años, pero como estilo ejerció una
influencia mayor y más persistente en el uso del dibujo y el color que
cualquiera otra escuela del siglo XX. El fauvismo derivó de los fuertes colores
y las vehementes pinceladas de Van Gogh; de las formas simplificadas y los
atrevidos esquemas decorativos de Gauguin, y del desprecio que ambos demostraron
por las cualidades académicas formales de la composición. Henri Matisse, primera
figura del grupo original fauvista, en su pintura Gran interior en rojo, deja
presente la intensidad fauvista del colorido, aunque usado con resultados
bastantes diferentes, ya que naturalmente se considera al rojo como color
brillante que produce gran excitación y en este cuadro el efecto de la
composición da una sensación de profundo reposo.
- CUBISMO
Este movimiento
artístico surge en Francia hacia 1907, y se extiende por todo el mundo. Se
inspira en los postulados artísticos de Paul Cézanne y de Georges Seurat; su
planteamiento básico es representar obras de la realidad, pero fracturadas por
medio de la geometrización de la forma, de tal manera que se representaban las
mismas formas del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de simultaneidad de
planos. Los artistas cubistas pintaban superficies planas, la perspectiva dada a
la obra era aparente, lograda por medio del alargamiento de las líneas y
ángulos. El color fue, virtualmente suprimido, subordinándose a las formas y por
tanto, al dibujo. Los cubistas crearon la superposición a través de la visión
polifacética y simultánea del objeto. Como creadores del movimiento cubista
podemos nombrar a importantes personajes como Pablo Picasso y Georges Braque. En
Venezuela el cubismo tiene numerosos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado,
Armando Barrios y Manuel Quintanilla como representantes de esta tendencia en
nuestro país.
- FUTURISMO
- SURREALISMO
Este movimiento
vanguardista no se circunscribió a un solo lugar geográfico y su manifestaciones
son tan variadas como sus interpretes. Giorgio de Chirico, paul Klee, Man Ray,
Salvador Dalí, Joan Miró, Yves Tanguy, fueron sólo algunos de los artistas que
tomaron parte activa en el grupo de los pintores surrealistas. El Surrealismo,
libró a la pintura de su larga sumisión a la imagen realista y del concepto de
espacio heredado del Renacimiento, dándole rienda suelta al artista para
expresar sus sentimientos e impulsos más íntimos. Influido por el psicoanálisis
de Freud y las doctrinas revolucionarias de la época, el surrealismo supo dar
cause a vagos impulsos renovadores latentes en la intelectualidad surgida de la
primera posguerra. Su período más floreciente fue el de 1924 a 1928. Como ideal
estético se propone lo maravilloso, reuniendo dos objetos incongruentes en un
contexto ajeno a ambos; el propósito de los surrealistas no era “hacer arte”,
sino explorar posibilidades.
- ABSTRACCIÓN
Este arte consistía en extraer de una imagen
figurativa los elementos esenciales, deformándolos o modificándolos; en él se
tiende a impresionar lo psíquico por encima de lo puramente visual, se busca
una nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar entre dos polos: el
acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al
interpretarla. El arte Abstracto es un movimiento que nace con la creación de la
nueva pintura del ruso Wassily Kandinsky en 1910, en la cual no existía ninguna
representación figurativa, sino formas y colores; sin embargo, revisando obras
prehistóricas, de Egipto, del período prehispánico, etc., se puede ubicar en
ellas el origen de este arte. Esta tendencia artística se basó, no en la
representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar,
de allí la importancia del color en las obras abstractas. El Abstraccionismo
tiene dos corrientes: la Abstracción Lírica, que se refiere a las composiciones
donde el artista parte de su intuición para expresar, por medio de color,
sentimientos, ideas, etc., y la Abstracción Geométrica, que se refiere a las
composiciones en donde el artista trabaja con figuras geométricas como el
círculo y el cuadrado, y con líneas que partiendo de colores planos las hacen
ser obras totalmente estáticas.
-
READ,
Herbert. Las Bellas Artes.
Vol. 1. Editorial Cumbre S.A. México. 1981. 316 pp.
-
WENTINCK, Charles. La
Figura Humana en el arte, desde los tiempos prehistóricos hasta nuestros días.
Ediciones Abbott Universal. Holanda. 160 pp.
-
PELLICER, A. Cirici.
Teoría, Técnicas e Historia del Arte. Enciclopedia Labor. Vol. 8. Editorial
Labor S.A. España. 1961. 552 pp.
-
QUILLET, Arístides.
Nueva Enciclopedia Autodidáctica. Tomo III. Editorial Quillet S.A. México.
1968. 526 pp.
-
COMBI Visual 2.
Grolier International. España. 1972.
Autora:
Lluvia Velandia
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