Monografias | Introducción a la comunicaciónIntroducción a la comunicaciónResumen: Rasgos mas importantes del cine. El nacimiento del cine en EEUU. Captura del movimiento en una película: cómo comenzó el cine. Las películas se convierten o formidable. El negocio del cine. El trabajo en el cine. La tecnología y el futuro. Mercados internacionales y poder concentrado.(V)
Indice
1. Rasgos mas importantes del cine
3. Captura del movimiento en una película:
cómo comenzó el cine
8. Mercados internacionales y poder
concentrado
1. Rasgos mas importantes del
cine
El cine es la comunicación a través de imágenes, las
múltiples dimensiones que alberga este medio de comunicación posibilitan una
riqueza narrativa, lo que lo ubica como el arte y el medio de expresión
característico del siglo XX. Su lenguaje obedece a leyes de una gramática y una
sintaxis visual propias. Posee un conjunto de técnicas reunidas para obtener una
proyección luminosa, y la restitución de movimiento registrado fotográficamente.
La fusión de una serie de imágenes fijas sucediéndose rápidamente, sufriendo un
ligero desplazamiento una de otra, crea la imagen móvil.
En un nivel elemental y rudimentario la gramática
cinematográfica se basa en los planos: forma en que es contenido el fragmento de
la realidad impresionado en una película desde que se prende el motor de la
cámara hasta que se detiene.
Medio
Plano americano
Otro elemento gramatical importante es el encuadre:
composición del contenido de la imagen, la forma que el realizador determina y
eventualmente organiza el fragmento de realidad, con la infinidad de variables
que esto supone.
La sintaxis se apoya en las diferentes combinaciones del
montaje, a las que se define como la combinación de fragmentos de un film que
generan un tiempo nuevo, una nueva representación fílmica de una acción, que
forma una nueva realidad.
La ilusión de movimientos manifiesta los “gestos” por medio
de los cuales vemos a los actores que se mueven, se besan, fuman, realizan una
serie de movimientos que sin duda son propios de la cultura a la que pertenecen,
pero el cine estiliza e intenta universalizar.
El cine como proceso comunicativo se puede diferenciar tres
planos; el plano representativo (lo que se dice), el plano expresivo (como se
dice)y el plano apelativo (para que se dice).
Los canales del cine:
Ø
En cuanto a
tiempo; el tiempo es predeterminado, tenemos horarios para distintas funciones,
ya establecidos.
Ø
El grado de
participación; es colectivo, se encuentran varios receptores en un mismo lugar.
Ø
Es una
comunicación indirecta, requiere que el receptor se desplace, y el emisor no
está físicamente presente.
Ø
El sonido es
secuencial y concreto; a través de la imagen sonora.
Ø
En cuanto a
espacio-tiempo; conjuga el tiempo en un espacio, pero se impone lo secuencial,
si uno se pierde una escena, se pierde el hilo de la trama de la película.
Ø
La distancia
sicológica; involucra emocionalmente a los receptores.
Ø
La distancia
entre los actores; es indirecta.
Ø
Es un medio
caliente; tiene alta definición, permite mucha información, el receptor recibe
el mensaje pleno y entero, su misión es receptiva-pasiva. Es un canal cerrado
por ser un medio caliente, donde los mensajes son estructurados.
Ø
Par analítico; es
unilateral, no hay reciprocidad comunicativa.
Ø
Grado de
permanencia:
¨
Duración del
soporte material: no hay duración del mismo.
¨
Duración de los
contenidos en los lectores; tiene un grado de resonancia bajo, permitiéndonos
volver a ver la película.
¨
El mensaje es
fugaz y tiene poca contingencia del contenido.
En ningún otro negocio hay un
solo ejemplo de un producto completamente creado con una inversión de millones
de dólares sin la, seguridad real de que el publico lo compre. En ningún otro
negocio el publico 'usa' el producto y luego se va... sólo con el recuerdo del
mismo. En el sentido más real, es una industria que se basa en los sueños."
Sería fácil suponer que la industria cinematográfica es una
de las industrias de medios de comunicación más importantes porque la publicidad
en tomo alas celebridades de las películas capta un gran nivel de atención. Con
frecuencia es sorprendente saber que resulta la cantidad más baja de ingresos de
la industria de los medios masivos de comunicación (cerca de 4 por ciento).
Las películas y las estrellas cinematográficas necesitan la
atención del público porque el auditorio determina si la película fue un éxito o
un fracaso. Las películas son inversiones muy costosas yen la mayor parte de
ellas los productores pierden dinero.
Por lo tanto, con frecuencia los inversionistas prefieren a
los talentos "vendibles" que harán la continuación de una película, en lugar de
los nuevos talentos sin probar.
Además, inclusive las películas que presentan aun talento
reconocido pueden fracasar;
nadie en la industria cinematográfica puede pronosticar qué
películas tendrán éxito.
El experto en películas Jason E. Squire escribe:
En su forma más simple, la película es el cambio de imágenes
luminosas para ganar corazones en las salas oscuras. En su forma más compleja,
es una inversi6n comercial masiva, una enorme empresa creativa que requiere la
disciplina logística de los militares, los pronósticos financieros de la Reserva
Federal y la tolerancia psicol6gica del clero, todo utilizado en privado en
favor de la narraci6n de una historia. En la industria cinematográfica, la idea
es hacer películas que atraigan a vastos auditorios que acumulativamente paguen
el dinero suficiente por el privilegio de verla, de modo que todos los costos
implicados en la creaci6n de esa película se paguen, y aún queden reservas
suficientes para hacer más películas. El motor del trabajo es el beneficio, pero
la f6rmula que atrae a los auditorios es tan evasiva como solo ella puede serlo.
Las películas reflejan la
sociedad que las crea. Algunas ofrecen un mensaje político subyacente. Otras
reflejan los valores sociales en cambio. y otras películas son un buen
entretenimiento. Pero todas necesitan del público para tener éxito.
Al igual que otras industrias de medios de comunicación, la
cinematográfica ha tenido que adaptarse a la cambiante tecnología. Antes del
invento de la televisión, las películas eran la forma principal de
entretenimiento visual. En la actualidad, los efectos especiales (algo que rara
vez se muestra en televisión) son la vía mediante la cual la industria
cinematográfica compite con la televisión por audiencia y dinero. Pero los
efectos especiales, además de ser muy costosos, no son apropiados para todas las
películas. En la actualidad, la economía de la creación de
películas es muy importante.
3. Captura del movimiento en
una película: cómo comenzó el cine
Las películas se inventaron en una época en que la industria
estadounidense daba la bienvenida a cualquier aparato, por lo que los inventores
trataban frenéticamente de obtener patentes de aparatos electrónicos y
eléctricos. La cámara y el proyector de película con movimiento fueron dos de
los nuevos aparatos de la Revolución industrial.
Los primeros inventores nutren la industria cinematográfica
Las películas no fueron invento de una sola persona. Primero
se debía inventar un dispositivo para fotografiar objetos en movimiento y luego
un dispositivo para proyectar esas películas. Este proceso implicó a seis
personas: Étienne Jules Marey, Eadweard Muybridge, Thomas Edison, William K. L.
Dickson y Auguste y Louis Lumiere. Marey y Muybridge. Étienne Jules Marey, un
científico que trabajaba en París, intentaba registrar el movimiento de un
animal en acciones separadas (una a la vez)
para comparar un animal con otro. Hizo diagramas de los
movimientos de un caballo y publicó la información en un libro, Animal
Mechanism. j
Desconocido para Marey, el fotógrafo Eadweard Muybridge fue
contratado por el multimillonario de los trenes y criador de caballos Leland
Stanford para resolver una apuesta de 25,000 dólares. Stanford había apostado
que durante un carrera, las cuatro, patas del caballo se despegan
simultáneamente del suelo. En 1877, Muybridge y StanfoId construyeron una pista
especial en Palo Alto, California, con 12 cámaras precisamente ubicadas para
tomar fotografías de un caballo a medida que éste corría alrededor de la pista.
Según avanzaba el caballo desprendía una serie de cables equidistantes, los que
a su vez hacían funcionar los obturadores de las cámaras. Stanford ganó sus
25,000 dólares(una fotografía demostró que las cuatro patas del caballo se
separaban el suelo) y la serie fotográfica ofreció un excelente estudio del
movimiento.
Muybridge aumentó el número a 24 cámaras, fotografió otros
animales y luego tomó fotografías de personas en movimiento. Viajó por Europa
exhibiendo sus fotografías. Con el tiempo, Muybridge y Marey se conocieron. En
1882, Marey perfeccionó una cámara fotográfica que podía tomar 12 fotografías en
una placa, la primera cámara de película en movimiento.
Thomas Edison. En 1988, Thomas Edison compró algunas de las
fotografías de Muybridge y se las mostró a su asistente, William K. L. Dickson.
Posteriormente conoció a Marey en Europa, donde éste había inventado un
proyector que mostraba imágenes en una tira continua de película. Pero la
película de tira se movía en forma irregular a lo largo de los lentes del
proyector, de modo que las películas saltaban.
William K. L.
Dickson. De regreso a
América, Dickson perforó las orillas de la película de manera que, a medida que
ésta se movía a través de la cámara, los engranajes se insertaban en las
perforaciones y mantenían la película en su lugar, minimizando los saltos.
Dickson enrolló la tira sobre una lámpara y una lente amplificadora en una caja
de 2 pies de ancho y 4 de alto. La caja, a la que Edison denominó kinetoscopio,
que tenía una mirilla en la parte superior, se colocaba en el piso de modo que
la gente
pudiera ver adentro.
El 11 de abril de 1894 se
inauguró la primera sala de kinetoscopio en la ciudad de Nueva York. Por 25
centavos de dólar, el público podía ver diez diferentes películas de 90 segundos
en blanco y negro, entre las cuales se incluían "Trapeze" , "Horse Shoeing",
"Wrestlers" y "Roosters".
Auguste y Louis Lumiere. En Francia, los hermanos Lumiere,
Auguste y Louis, desarrollaron una cámara mejorada y un proyector que podía
presentar la película en una pantalla grande. La primera demostración pública de
los Lumiere fue el 28 de diciembre de 1895: diez temas cortos con títulos
sensacionalistas como "Lunch Hour at the Lumiere Factory" , que presentaba a los
obreros saliendo de la construcción, y "Arrival of a Train at a Station". La
admisión costaba un franco y los hermanos
Lumiere recaudaron 35 francos.
Cuatro meses después de la premiere de Lumiere en Francia,
Edison organizó la premiere de la primera película estadounidense con una cámara
mejorada desarrollada por el inventor independiente Thomas Armat. Edison armó la
nueva máquina Vitascope (un proyector cinematográfico rudimentario), y la
primera demostración pública de la película en Estados Unidos fue el 23 de abril
de 1896, en el cine de Koster y Bial, en Nueva York. Edison se sentó en una caja
y Armat puso a funcionar el proyector en el balcón.
Al principio, las películas eran un espectáculo secundario.
Los propietarios de centros de diversiones las presentaban detrás de una
pantalla negra en la parte posterior del centro de diversiones por un níquel
extra (cinco centavos de dólar). Pero pronto las películas adquirieron mayor
popularidad que el resto de las atracciones, por lo cual los centros de
exhibición recibieron el nombre de nickelodeons.
En 1900 había más de 600 nickelodeons en la ciudad de Nueva
York, que vendían más de 300,000 entradas por día.Cada función duraba alrededor
de 20 minutos. Los programas iban desde medio día hasta tarde por la noche, y
muchos cines tocaban música en el exterior para atraer más espectadores.
En 1907, Edison había firmado contrato con la mayor parte de
los productores de la nación, así como con los hermanos Lumiere y el innovador
productor francés Georges Mélies, para abastecer a ¡os cines con películas. Los
cines con licencia de Edison usaban proyectores autorizados por éste y rentaban
películas con su licencia, muchas de las cuales eran producidas por el mismo
Edison en su propio estudio.
La excepción importante al plan de cesión de derechos de
Edison fue su rival, la American Biographand Mutoscope Company, comúnmente
llamada Biograph.
Biograph fabricó una cámara de película en movimiento mejor
que la de Edison, lo cual le restaba participación en el negocio. En 1908,
Biograph firmó un contrato con Edison, mediante el cual constituyen la Motion
Picture Patents Company (MPPC).
Las compañías autorizadas que exhibían las películas pagaban
2 dólares por semana a la MPPC,y cualquier distribuidor o exhibidor que violaba
el contrato e introducía películas independientes era expulsado de la MPPC. Esta
empresa recaudó más de un millón de dólares el primer año, pero era Edison quien
recibía la mayor parte de las regalías. Así, Edison estableció el primer
fideicomiso de películas, lo cual le dio un virtual monopolio en el negocio de
la cinematografía.
Todas las primeras películas eran grabaciones mudas en blanco
y negro. Recién en la década de 1920 se les introdujo sonido y los experimentos
a colores comenzaron en la década siguiente. Dos realizadores independientes
fueron quienes introdujeron el arte en la filmación de las películas: Georges
Mélies y Edwin s. Porter.
Georges Mélies. El realizador francés Georges Mélies agregó
fantasía a las películas. Antes de él, los realizadores sólo fotografiaban
escenas teatrales o eventos de la vida cotidiana. Pero Mélies, que era mago y
caricaturista antes de convertirse en creador de cine, realizaba trucos con la
cámara mediante los cuales los personajes aparecían y desaparecían, o aumentaban
o luego disminuían de tamaño. La película de Mélies de 1902, A Tríp to the Moon,
fue la primera aventura fílmica en el espacio exterior, llena de criaturas de
fantasía. Cuando sus películas, que se conocieron como películas con
trucos, se presentaron en Estados Unidos, los realizadores
estadounidenses se apropiaron de sus ideas.
Edwin S.
Porter. Edison contrató
al proyeccionista Edwin S. Porter en 1899; y en la década siguiente Porter se
convirtió en el realizador de películas más importante de los Estados Unidos.
Hasta su ingreso a la industria, la mayor parte de las películas estadounidenses
contenían trucos o eran cortometrajes documentales que presentaban eventos
noticiosos (aunque algunos realizadores utilizaban temas excitantes, como Pajama
Gírl y Corset Gírl para complacer al público masculino, que era el más fanático
de las películas). En 1903, Porter produjo The Great traín
Robbery, una película de acción con bandidos que asaltaban un tren a gran
velocidad.
En lugar de usar una sola locación como la mayoría de los
realizadores, Porter filmó en 12 escenarios distintos. También introdujo el uso
de di solvencias entre imágenes en lugar de empalmes abruptos. Las técnicas de
filmación de Porter (acción y diversas locaciones) presagiaban la tradición de
narración de historias, clásica en las películas de Estados Unidos.
Ninguno de los actores de las primeras películas recibía
crédito en pantalla, pero entonces los fanáticos empezaron a escribir cartas a
la estrella de Biograph, Florence Lawrence, dirigidas a "La Chica Biograph".. En
1909, Carl Laemmele. Formó una compañía productora independiente, robó a
Florence Lawrence de Biograph y le dio su crédito en pantalla, lo cual la
convirtió en la primera estrella cinematográfica de Estados Unidos.
Biograph fue la primera
compañía que realizó películas usando el sistema de estudio. El sistema de
estudio consistía en que un estudio contrataba bajo una cláusula de
exclusividad un grupo de estrellas y personal de producción al que se le pagaba
un salario regular, por lo cual no podían trabajar para ningún otro estudio sin
autorización de su empleador.
En 1901, Laemmle ganó a Mary Pickford de Biograph, al
ofrecerle duplicar su salario. Según el experto en películas Robert Sklar,
descubrió que "las estrellas vendían películas como nadie más podía hacerlo.
Mientras que los cines cambiaban diariamente sus programas (y la práctica siguió
en los cines de barrio y pueblos pequeños hasta la década de 1920), hacer que el
público reconociera los nombres de las estrenas era la única forma eficaz de
publicidad para ganar auditorio".
El sistema de estrellas que promovía a personalidades
cinematográficas para atraer público fue alimentado por .las compañías
independientes, lo cual permitió llevar el atractivo de las películas más allá
de la clase trabajadora. En los suburbios comenzaron a aparecer salas
cinematográficas. En 1914, el presidente Woodrow Wilson y su familia
presenciaron una película popular en la Casa Blanca. Entre 1908 y 1914 se
duplicó el público que asistía al cine.
En 1915 surgió el primer gigante real de las películas mudas,
el director O. W. Griffith, que introdujo el concepto de entretenimiento
espectacular. Estas películas eran tan ambiciosas, tan grandiosas, que nadie
podía ignorarlas.
La extensión de la mayor parte de las primeras películas era
de dos carretes, es decir, 25 minutos. Al principio, Griffith realizaba
producciones de dos carretes, pero luego amplió sus películas a cuatro carretes
y más, con lo cual se convirtió en el precursor del largo metraje.
La producción épica más conocida de Griffith era tan polémica
coma espectacular.
En The Birth of a Nation (1915) el sureño Griffith presentó
una perspectiva dramática de la Guerra Civil y la Reconstrucción, en la cual
reflejaba estereotipos raciales y abordaba el tema de la mezcla sexual de las
razas. Era una película ambiciosa sobre un tema amargo y polémico, presentada a
un público que aún no había saldado sus divisiones provocadas por la guerra. El
costo de la película (aproximadamente 110,000 dólares) era cinco veces mayor que
el de cualquiera de las películas estadounidenses hasta entonces realizadas.
Con ésta y sus producciones épicas subsecuentes, Griffith
mostró el potencial que tenían las películas como un medio masivo de
comunicación para reunir a públicos numerosos. Asimismo, demostró la disposición
de la gente a pagar más de un níquel por ver una película. Las películas habían
pasado de los concurridos nickelodeons a la respetabilidad.
Rápidamente se formaron nuevas compañías productoras para
alimentar lo que parecía ser el deseo insaciable de películas por parte del
público. Las primeras compañías gigantes fueron First National, Famous
Players-Lasky, Metro, Lowe's, Fox y Paramount. En 1918, Paramount distribuyó 220
producciones, más que cualquier compañía antes o después.
El negocio del cine cambiaba con rapidez. Cinco
acontecimientos importantes de la década de 1920 lo transformaron: el movimiento
de la industria a California, la adopción de la adquisición en bloques, la
formación de United Artists, los esfuerzos por la autorregulación y la
introducción del sonido.
Durante la primera década del siglo xx, las principales
compañías cinematográficas se localizaban en Nueva York, la capital del teatro.
Las compañías productoras de películas viajaban ocasionalmente a Florida y Cuba
para contar con luz solar, ya que era más fácil construir los escenarios en
exteriores para así aprovecharla. Pero esto pronto cambió.
En 1903, Harry Chandler, propietario de Los Angeles Times,
invirtió en bienes raíces en Los Angeles. Chandler y sus amigos atrajeron al
negocio del cine, al que ofrecieron tierra barata, un clima templado y mano de
obra económica. Los productores de películas se mudaron a Hollywood.
Adquisición en bloque
Los propietarios de las cadenas de teatros pronto decidieron
hacer películas, a la vez que los productores de películas comprobaron que
podían obtener ganancias si conservaban la propiedad de los cines, de modo que
las compañías de producción empezaron a construir cines para exhibir sus propias
películas. La conexión entre producción, distribución y exhibición creció
encabezada por Adolph Zukor, de Paramount, quien diseñó un sistema denominado
adquisición en bloque.
La adquisición en bloque implicaba que una compañía, como
Paramount, firmaba un contrato con uno de sus cines con licencia hasta por 104
películas a la vez. El paquete de películas contenía algunas producciones
fílmicas de "renombre" en el que participaban estrellas, pero la mayor parte de
las películas del paquete eran mediocres y no incluían actores conocidos. Debido
a que la cartelera de las películas cambiaba dos veces por semana, los
exhibidores se desesperaban por presentar algo en la pantalla. A menudo, sin
saber qué películas conformaban el bloque, los exhibidores compraban los
paquetes y pagaban los precios que imponían los
distribuidores.
12-20
21-29
Los campeones de United Artists se independizan
En 1919, las cinco estrellas de películas más famosas (el
vaquero estrella William S.
Hart, Mary Pickford, Charlie Chaplin, Douglas Fairbanks y D.
W. Griffith) decidieron que era tiempo de rebelarse contra el estricto sistema
de distribución de los estudios. El 15 de enero de 1919, las estrellas
anunciaron:
Ayer se
.formó un nuevo conjunto de estrellas y productores de películas, y nosotros,
los titulares, para impulsar el bienestar artístico de la industria
cinematográfica, convencidos de que podemos servir mejor a la gran industria
creciente de las producciones ft1micas, hemos decidido unir nuestro trabajo en
una asociación y, al finalizar los contratos existentes, que ahora se aproximan
con rapidez a su término, lanzaremos nuestras producciones a través de nuestra
propia organización.
Finalmente, Hart renunció al convenio, pero los demás socios
formaron una compañía llamada United Artists. Eliminaron la adquisición en
bloque y se convirtieron en distribuidores de películas producidas en forma
independiente, entre las cuales se incluían sus propias producciones.
En sus primeros seis años de vida, UA presentó muchas
películas que hoy día se consideran clásicas: The Mark of the Zorro (La Marca
del Zorro), The Three Musketeers
(Los Tres Mosqueteros), Robin Hood y The Gold Rush (La Fiebre
del Oro). Estas películas tuvieron éxito no obstante el hecho de que UA
trabajaba fuera del sistema de estudio tradicional, con lo cual demostró que era
posible distribuir películas sin tener un gran estudio.
En la década de 1920, la industria cinematográfica enfrentó
dos nuevas crisis: los escándalos que implicaban a estrellas del cine y la
crítica de que el contenido de las películas era cada vez más audaz. Como
consecuencia, los productores de películas decidieron autorregularse.
Los escándalos de las estrellas comenzaron en 1927, cuando el
comediante Roscoe “Fatty” Arbuckle organizó una fiesta maratónica en San
Francisco con motivo del Día del Trabajo. Cuando la fiesta estaba por terminar,
la modelo Virgina Rappe fue llevada al hospital con fuertes dolores de estómago.
Virginia murió en el hospital, y Arbuckle fue acusado de homicidio.
Posteriormente, se dijo que la causa de la muerte fue peritonitis por una
ruptura de apéndice y la acusación fue reducida a homicidio no premeditado.
Después de tres juicios, dos de los cuales terminaron en jurados suspendidos,
Arbuckle fue absuelto.
Luego el director William Desmond Taylor fue asesinado en su
hogar. Mabel Normand, una amiga de Arbuckle, fue identificada como la última
persona que había visto vivo a Taylor. Finalmente, Normand fue absuelta, pero se
reveló que "Taylor" no era el nombre real del director y se sospechaba que
estaba implicado en el negocio de las drogas.
Los magnates y hombres de negocios de Hollywood estaban
estupefactos. La Catholic Legion of Decency anunció un boicot a las películas.
Prestos a defenderse, los líderes empresariales de Los Angeles se reunieron y
decidieron que Hollywood debía autorregularse.
Harry Chandler, de Los Angeles Times, trabajaba con líderes
cinematográficos que recurrieron al ex administrador general de correos y
antiguo dirigente del Partido Republicano, Will Hays, para responder a estos y
otros escándalos en la industria del cine. El trabajo de Hays era dirigir la
renovación moral de la industria.
En marzo de 1922, Hays se convirtió en el primer presidente
de Motion Picture Producers and Distribution Association (MPPDA), con un salario
de 100,000 dólares al año. Un mes más tarde, aunque Arbuckle había sido
absuelto, Hays suspendió todas las películas de Fatty Arbuckle.
Además de vigilar el comportamiento personal de las
estrellas, Hays decidió que su oficina también debía supervisar el contenido de
las películas. La MPPDA, como se conocía la oficina de Hays, redactó un código
de conducta para regir la industria.
El 17 de febrero de 1930, la MPPDA adoptó un código de
producción, el cual comenzaba con la fijación de tres principios generales:
1. No se debe producir ninguna película que degrade los
estándares morales de quienes la ven. Por lo tanto, la simpatía del auditorio
nunca debe inclinarse hacia el crimen, fechoría, maldad o pecado.
2. Se deben presentar estándares de vida correctos, sujetos
5610 a los requerimientos del drama y entretenimiento.
3. No deben ridiculizarse las leyes, naturales o humanas, y
tampoco se debe generar simpatía por su violación.
Posteriormente las reglas del código se dividieron en 12
categorías de fechorías, a saber:
Las películas permitidas ostentaban un sello de aprobación de
la PCA en los títulos al principio de la película. Los productores se opusieron
a la supervisión, pero la mayoría de ellos, temerosos de la censura exterior a
la industria, la aceptaron. Aunque los estándares se han relajado, la
autorregulación del contenido aún opera en la industria cinematográfica.
Para mediados de la década de 1920, las películas mudas eran
una parte establecida del entretenimiento estadounidense, pero la tecnología
pronto llevó a la industria a una era inclusive más vibrante, la era de las
películas sonoras. El presidente de la MPPDA, Will Hays, fue la primera persona
que apareció en pantalla en la premiere pública de los filmes sonoros el 6 de
agosto de 1926, en la ciudad de Nueva York. Warner Bros. Y Westem Electric
habían desarrollado el sonido experimental, que consistía en siete temas cortos,
entre ellos un concierto de la New York Philharmonic y una presentación cómica
de comedia de revista: en conjunto, los temas cortos se llamaban The Vitaphone
Preludes.
Los hermanos Warner (Sam, Harry, Jack y Albert) eran
ambiciosos hombres de negocios que recientemente se habían enriquecido y que
vencieron a sus competidores en las películas con sonido. El 6 de octubre de
1927, The Jazz Singer, con la estrella Al Jolson, se estrenó en el cine de los
Warner en Nueva York, y fue la primera película de largometraje con sonido. El
filme no era totalmente sonoro, pero en su lugar contenía dos secciones con
sonido sincronizado.
El éxito de The Jazz Singer convenció a los competidores de
Warner de no esperar más tiempo para adoptar el sonido. Así, el1 de julio de
1930, 22% de los cines seguían presentando películas mudas; en 1933, sólo 0.5%
de las películas presentadas en los cines eran mudas.
En la década de 1930, el negocio de las películas estaba
dominado por los cinco grandes: Wamer Bros., Metro-Goldwin Mayer, Paramount, RKO
y 20th Century Fox.
Los cinco grandes recaudaban más de dos terceras partes de
los ingresos de taquilla de la nación. United Artists continuó como una compañía
de distribución sólo para los productores independientes.
Los cinco grandes estaban integrados verticalmente: producían
películas, las distribuían en todo el mundo y tenían cadenas de cines, lo cual
garantizaba que sus películas se exhibirían. Los estudios mantenían grupos de
estrellas, directores, productores, escritores y personal técnico. El experto en
cinematografía Tino Balio denomina “oligopolio maduro” a los estudios en este
punto de su historia, un grupo de compañías con tanto control sobre una
industria que ningún cambio en una de las empresas afectaría directamente el
futuro de la industria.
En la década de 1930, Walt Disney se convirtió en el único
participante nuevo con éxito en Hollywood. Había lanzado Steamboat Willie como
“1a primera película de dibujos animados con sonido” en 1928. Disney tenía 26
años de edad, y vendió su automóvil para financiar la pista sonora de la
caricatura.
Después de tener éxito en otros cortometrajes animados,
Disney anunció en 1934 que su estudio produciría su primer largometraje animado,
Snow White and the Seven Dwar.fs (Blancanieves y los Siete Enanos). Finalmente
la película le costó a Disney 2.25 millones dólares, más de lo que MGM gastaba
generalmente en un buen musical. La premiere de Snow White fue el 21 de
diciembre de 1937, en el Cathay Circle Theater de Hollywood.
Los ingresos de taquilla cayeron abruptamente en la década de
1930 a medida que la Depresión se hacía presente en todos los aspectos de la
economía de Estados Unidos.
Antes de enfrentar su quiebra, numerosos cines trataron de
mantener sus ganancias la agregando juegos de bingo y admisiones con descuento.
La única innovación que sobrevivió a la década de 1930 fue la doble función: dos
películas por el precio de una.
La Depresión introdujo un factor más en los presupuestos de
las películas: los sindicatos. Antes de la década de 1930, la mayor parte de las
actividades de la empresa cinematográfica no estaban regidos por convenios
sindicales. Sin embargo, en 1937, el National Labor Relations Board eligió al
Screen Actors Guild para negociar los salarios, condiciones laborales y tiempo
extra. El Screen Writers Guild fue reconocido en 1938 y el Screen Directors
Guild poco después.
La sindicalización limitó el poder de los magnates sobre las
personas que trabajaban para ellos, pero los convenios sindicales fueron
aprobados a finales de la década de 1930. La Depresión acabó y los estudios
emprendieron una nueva época de prosperidad.
Con estrellas glamorosas y guiones emocionantes, respaldado
por un ansioso grupo de directores productores y técnicos dotados, aparte de un
público insaciable, la industria de las películas llegó a su cúspide afines de
la década de 1930 y principios de la siguiente. El estudio más exitoso de
Hollywood era MGM, que atraía a los mejores escritores, directores y actores.
MGM se concentraba en los éxitos devastadores, como The Great Ziegfield, The
Wizard of Oz (El mago de Oz) y Gone with the Wind (Lo que el viento se llevó).
El éxito estruendoso de Gone with the Wind no sólo demostró el carácter épico
que pueden ofrecer las películas, sino que la producción fílmica también
representaba un importante avance tecnológico, con un magnífico uso del color.
El negocio del cine era tan rico que ni siquiera el monopolio
de MGM ahuyentó a la competencia.
Antes de que la televisión llegara a todo el país en 1948,
otros dos acontecimientos de fines de la década de 1940 ayudaron a revertir la
bonanza de las películas que comenzó a mediados de la década de 1930: las
investigaciones del House Un-American Activities Committee y la decisión de la
Suprema Corte de Estados Unidos en el caso Estados Unidos contra Paramount
Pictures, Inc., y otros.
Los diez de Hollywood. En octubre de 1947, Estados Unidos
entraba a la Guerra Fría.
Ésta fue una época en que muchos funcionarios públicos,
empleados del gobierno y ciudadanos estaban preocupados por la amenaza del
comunismo y grupos identificados como "subversivos". El Comité contra
Actividades Norteamericanas, de la Cámara de Representantes, dirigida por J.
Parnell Thomas, convocó diez testigos "hostiles" de Hollywood para testificar
acerca de sus conexiones comunistas. (Los testigos hostiles eran personas a las
que el comité clasificaba como antiguos participantes en "actividades contra
Estados Unidos". Por lo regular, esto implicaba que el testigo había sido
miembro de una organización de izquierda en la década previa a la Segunda Guerra
Mundial Estos ocho guionistas y dos directores se llegaron a conocer como los
Diez de Hollywood.
La estrategia de los Diez era aparecer ante el comité como
grupo y no responder ala pregunta directa: " ¿Es o ha sido miembro alguna vez
del partido comunista?" En su lugar, los Diez intentaban hacer declaraciones que
cuestionaban la autoridad del comité para censurar sus inclinaciones políticas.
En una serie de audiencias inquisitoriales, el comité rechazó
el testimonio de los Diez y los sometió a juicio por desacato. Todos fueron
sentenciados a prisión y algunos fueron multados. A finales de noviembre de
1947, los Diez de Hollywood habían perdido su empleo. Les siguieron muchos otros
que trabajaban en el medio cinematográfico.
En un artículo que apareció en Hollywood Review, un miembro
de los Diez de Hollywood, Adrian Scott, afirmaba que 214 empleados de la
industria cinematográfica estaban en la lista negra, lo que significaba que
muchos estudios se negaban a contratar a personas de quienes se sospechaba que
habían participado en actividades subversivas.
La gente del medio cinematográfico que no era contratada por
sus creencias políticas incluía a 106 escritores, 36 actores y 11
directores,171o cual, efectivamente, privó a Hollywood de algunos de sus mayores
talentos.
Estados Unidos contra Paramount Pictures. El Departamento de
Justicia de Estados Unidos comenzó otro juicio antimonopolio en contra de los
estudios en 1938. En 1940, los estudios llegaron a un acuerdo con el gobierno,
por el cual éste admitía su inocencia. Acordaron:
1. Limitar la adquisición en bloque a cinco películas.
2. Cancelar la adquisición sin conocimiento (la práctica de
rentar películas sin permitir que se vieran primero).
3. Eliminar la obligación de que los cines rentasen
cortometrajes como una condición para adquirir películas con personajes
conocidos.
4. Suspender la compra de salas cinematográficas.
Después de este convenio, el Departamento de Justicia retiró
su demanda con la condición de que el gobierno podía reactivarla en cualquier
momento.
En 1944, el gobierno aún estaba inconforme con el control del
estudio sobre los cines, de modo que impulsó nuevamente la demanda. En 1948, el
caso de Estados Unidos contra Paramount Pictures llegó a la Suprema Corte. El
juez William O. Douglas, sostuvo que, aunque los cinco estudio más importantes
(Paramount, Warner Bros., MGM-Loew's, RKO y 20th Century-Fox) sólo tenían 17% de
todos los cines de Estados Unidos, los estudios monopolizaban las exhibiciones
de estreno en las grandes ciudades.
Como consecuencia de la
decisión de la Suprema Corte, en 19541as cinco empresas de producción más
importantes se desprendieron de la propiedad o el control de todos sus cines. La
producción y la exhibición se dividieron; la integración vertical se
desmoronaba.
Cuando las compañías cinematográficas abandonaron el negocio
de la exhibición; . los bancos se mostraron cada vez más renuentes a financiar
los proyectos fílmicos dado que las compañías no podían garantizar
documentalmente un auditorio. Pronto los, estudios decidieron dejar el negocio
de la producción a las empresas independientes Y'; se convirtieron
principalmente en distribuidores de las películas de otras compañías. E]
resultado fue el final del sistema de estudios.
En 1950, en la película de Paramount sunset Boulevard, la
madura estrella de la pantalla silenciosa Norma Desmond (interpretada por Gloria
Swanson) galantea con un joven guionista ambicioso (interpretado por William
Holden) al prometerle conexiones en Hollywood.
"Usted es Norma Desmond. Solía aparecer en las películas
mudas. Era grandiosa", dice el guionista.
"Soy grandiosa", le contestó Desmond. "Son las películas las
que se achican". Desmond podría haber estado hablando de la misma empresa
cinematográfica, la cual se redujo de manera impresionante en 1948, cuando la
televisión a nivel nacional empezó a ofrecer entretenimiento para el hogar.
Las audiencias de la Cámara y los decretos unánimes en el
caso de Paramount predecían un cambio en la industria fílmica, pero lo que en
realidad transformó a Hollywood para siempre fue la televisión. En la década de
1950, el número de televisores aumentó 400% en tanto que el número de personas
que asistía al cine disminuyó 45 por ciento.
Los cines trataron de compensar la pérdida por medio del
aumento de sus precios de admisión, pero más de 4,000 salas cerraron entre 1946
y 1956.19 La asistencia se ha nivelado o aumentado brevemente en algunas
ocasiones desde la década de 1950, pero la tendencia hacia la disminución de la
asistencia al cine persiste en la actualidad. La industria cinematográfica ha
probado varios métodos para contrarrestar esta tendencia a la reducción.
La pantalla gigante y el cine en tercera dimensión. Afectada
por la popularidad de la televisión, la industria cinematográfica probó nuevas
ideas tecnológicas en la década de 1950 para recapturar su auditorio. Primero
aparecieron las películas en tercera dimensión, que utilizaban efectos
especiales para crear la ilusión de acción tridimensional. Por ejemplo, las
rocas parecían salir de la pantalla dirigiéndose al público. Para ver las
películas en tercera dimensión, los espectadores debían usar lentes de plástico
especiales. La novedad era divertida, pero los argumentos de las películas 3D
eran débiles, y la mayor parte de los espectadores no regresaba a ver una
segunda película de este tipo.
Después aparecieron las películas a colores de pantalla
gigante con sonido estereofónico Cinerama, Cinemascope, Vista Vision y
Panavision. Todas estas técnicas trataban de dar al auditorio una sensación de "
que estaba ahí" , algo que no podían obtener del televisor.
Cambios en la censura de las películas. El 26 de mayo de
1952, la Suprema Corte anunció en el caso de Burstyn contra Wilson que las
películas eran "un importante medio para la comunicación de las ideas", y que
estaban diseñadas "para entretener así como para informar" .El efecto de esta
decisión fue proteger las películas de acuerdo con la Primera Enmienda. El
resultado fueron menos restricciones sobre lo que podía presentar una película.
En 1953, Otto Preminger desafió al organismo de
autorregulación, el Production Code Administration. United Artists decidió
lanzar la película de Preminger The Moon Is Blue, aun cuando la PCA había negado
su aprobación para la misma porque contenía palabras tan atrevidas como virgen y
amante. Luego, en 1956, United Artists lanzó Man with the Golden Arm (El hombre
del brazo de oro), también de Preminger, una película sobre drogadicción, la
cual eliminó para siempre las restricciones de la PCA.
Estimulados por la decisión sobre Burstyn y la prueba de
United Artists, los productores de películas probaron con el sexo y la violencia
para atraer público apartándolo de la televisión. En la década de los cincuenta,
Marilyn Monroe y Jane Russell ofrecieron generosos ejemplos de la nueva
tendencia. Las películas extranjeras también se popularizaron porque algunas de
ellas ofrecían un diálogo explícito y
escenas de amor.
Películas espectaculares. Uno por uno, los magnates de los
estudios se retiraron, pero fueron sustituidos por una nueva generación de
productores. "Ellos [la segunda generación] heredaron una situación en que cada
vez se hacían menos películas, y eran aún menos las que lograban ganancias",
dice Robert Sklar, "pero las que captaron la taquilla ganaron enormes sumas. Era
como si se hubieran cambiado las reglas del béisbol para que los únicos hits que
importaran fueran los cuadrangulares."
Las películas espectaculares como The Sound of Music (La
Novicia Rebelde) (1965) y The Godfather (El Padrino) (1971) y sus secuelas
recompensaron la búsqueda de grandes fortunas. Pero luego algunos tropiezos
considerables enseñaron a los estudios que nada puede demoler las ganancias de
un estudio como una gran bomba.
Clasificación de las películas. En 1966, Jack Valenti,
antiguo consejero presidencial de Lyndon Johnson, se convirtió en presidente
dela Motion Picture Producers Association, a la cual cambió el nombre por el de
Motion Picture Association of America (MPAA). Una de las primeras acciones de
Valenti fue responder a la continua crítica del público acerca del contenido
impactante de las películas,
La MPPA aplicó un sistema de clasificación modelado con base
en la G de Gran Bretaña para el auditorio general, M (después cambiada a PG)
para auditorio maduro, R para restringido (personas menores de 17 años admitidas
sólo con un adulto) y X, en la que no se admitía a nadie menor de 18 años.
(Valenti aún encabeza la MPAA como el cabildero para los principales estudios
del país. Se agregó la clasificación PG-13, donde se aconseja la supervisión
especial de los padres para los niños menores de 13 años, y luego la
clasificación X cambió a NC-l7X.)
Al mismo tiempo, los estándares de clasificación R se han
flexibilizado, lo cual deterioró aún más la eficacia del sistema de
clasificaciones de público.
De acuerdo con el actual sistema de producción de películas,
por lo general, cada uno de los seis estudios más importantes (Columbia,
Paramount, 20th Century-Fox, MCA/Universal, Time Warner y Walt Disney) produce
menos de 20 películas al año. El resto proviene de productores independientes,
cuya producción, inversión, distribución y exhibición son realizados por
compañías diferentes. La mayor parte de las películas producidas en forma
independiente son distribuidas por uno de los seis grandes
estudios.
En la actualidad, los vendedores de sueños se enfocan en los
compradores jóvenes.
Actualmente, casi la mitad de los espectadores
cinematográficos es menor de 30 años.
Por ello los éxitos de taquilla más importantes son películas
que atraen a este público más joven, como George of the Jungle. Las películas
para adultos como The English Patient (El Paciente Inglés), algunas veces son
exitosas, pero las películas que encabezan la lista de taquilla por lo general
son las que captan el público de menos de 30 años.
En la actualidad las películas son creación de un grupo
(escritores y productores) patrocinadas por otro grupo (los inversionistas),
vendidas a un tercer grupo (los distribuidores) y presentadas por un cuarto
grupo (los exhibidores). Ninguna otra industria de medios masivos de
comunicación está tan fragmentada.
En 1946, el mejor año de la cinematografía, los cines
estadounidenses vendían más de 4 mil millones de boletos. En la actualidad, a
pesar de que más personas ven películas en video, el número de entradas vendidas
ha disminuido a aproximadamente mil millones. Los exhibidores piensan que si
aumentan sus precios de admisión, perderán más espectadores. Ésta es la razón
por la que los exhibidores cobran tanto por los refrescos, que es de donde
obtienen de 10 a 20% de sus ingresos.
Con un público que se reduce y menos películas exitosas, los
estudios se quejan de que pierden dinero en la mayor parte de las películas que
suscriben. Los productores señalan que los estudios obtienen ganancias
exorbitantes por las películas que distribuyen, lo cual aumenta sus costos de
realización.
Actualmente, las películas, al igual que muchos otros medios
de comunicación, son parte de una propiedad corporativa, lo que implica que lo
más importante es la lealtad de los accionistas. Los estudios tienden a
seleccionar los proyectos más seguros ya buscar ideas que han probado ser del
gusto del público en vez de correr riesgos.
Una manera en que la industria puede predecir sus ingresos es
haciendo películas para la televisión. La mitad de las películas que se producen
cada año se hacen para la televisión y son producidas por las redes. Las ventas
y rentas de videos también generan utilidades confiables.
Dos factores de importancia para fundamentar el futuro de la
industria cinematográfica son la venta de derechos subordinados y los avances de
la nueva tecnología.
En 1950, la entrada al cine costaba alrededor de 50 centavos
de dólar. Hoy día, aún se puede ver una película por el mismo precio si se renta
un video por 2 dólares y se invita a cuatro amigos para verlo juntos. La
explosión de las ventas y rentas de videos desde que comenzó a venderse la VCR
en 1976 ejerce un poderoso efecto sobre la forma en que opera el negocio de la
cinematografía en nuestros días . La venta de películas para video es una parte
del mercado de derechos subordinados.
El costo promedio de la realización de una película
cinematográfica (en comparación con una película realizada para la televisión)
es de 36 millones de dólares, y sólo dos de cada diez de ellas logran obtener
ganancias" Algunas películas obtienen mucho dinero", dice David V. Picker, "pero
muchas de ellas no lo hacen." Antes de comenzar la filmación de una película,
los inversionistas deben constatar que recuperarán su capital. Pueden asegurarse
derechos subordinados para garantizar la rentabilidad sobre su inversión. Los
derechos subordinados pueden incluir:
v
.Pago de derechos
de televisión
v
.Derechos de
televisión de red
v
.Derechos de
sindicalización (ventas a estaciones de TV independientes)
v
.Derechos de
aerolínea para películas en vuelos
v
.Derechos
militares (para presentar películas en bases militares)
v
.Derechos
universitarios (para presentar películas en campos universitarios)
v
.Derechos de
canciones para álbumes de la pista sonora
v
.Derechos de
edición de libros (para guiones originales que se pueden reescribir y vender
como libros )
Asimismo, se comercializan más las películas que se vinculan
con los productos.
Además, los productos son otra manera de hacer publicidad a
una película. Una película que se puede explotar como un paquete de derechos
subordinados, con atractivo comercial, es mucho más interesante para un
inversionista que una película con potencial limitado.
Con frecuencia, la única opción para un realizador que quiere
hacer una película que no tiene derechos subordinados es arriesgar un
presupuesto bajo. Una vez que se hace la película, el realizador independiente
debe encontrar una manera de distribuirla.
Todo lo anterior limita severamente el número de películas
independientes que tienen éxito de taquilla.
En la actualidad, el centro de la industria cinematográfica
es la producción de películas. La mayoría de los filmes que son distribuidos por
los estudios principales y presentados en el cine de su localidad son producidos
por compañías independientes, que los realizan por medio de convenios con
estudios particulares Aunque estas compañías productoras trabajan en forma
independiente, y cada Compañía está organizada de manera distinta las
actividades en la producción de Películas se dividen principalmente en las
siguientes categorías: guionistas, productores, directores, actores, producción,
mercadotecnia y administración.
El origen de cada película es la idea de un argumento, las
cuales provienen de los guionistas. Los guionistas trabajan de modo
independiente, vendiendo sus argumentos a través de agentes, quienes los
promueven ante los estudios y productores independientes.
Por lo general, los productores son personas que reúnen el
dinero necesario para financiar un proyecto cinematográfico. El financiamiento
proviene de bancos o individuos que quieren invertir en una película específica.
Una vez que se cuenta con el financiamiento, se nombra un director para
organizar todas las tareas necesarias para convertir el guión en una película.
El director supervisa el presupuesto de la película.
Es evidente que los actores son importantes en cualquier
proyecto fílmico. En ocasiones, el productor y el director proponen actores
reconocidos para un proyecto aun antes de contar con los fondos necesarios con
el fin de atraer el interés de los inversionistas y asegurarles que la película
tendrá cierto atractivo de taquilla.
Producción incluye a todas las personas que en realidad crean
la película: operadores de cámara, diseñadores de escenario, editores,
supervisores de guión y diseñadores de vestuario, por ejemplo. Una vez que se
hace la película, el personal de mercadotecnia busca publicidad para el
proyecto, a la vez que diseña un plan para anunciar y promover la película entre
el público. Como en cualquier otra industria de medios masivos de comunicación,
el personal que trabaja en administración ayuda a llevar todos los documentos
necesarios para pagar los salarios y registrar gastos de los empleados, así como
hacer un seguimiento de toda la documentación que involucre a la empresa.
La tecnología afecta tres aspectos de la empresa
cinematográfica: producción, distribución y exhibición.
Producción. Las cámaras portátiles más pequeñas facilitan a
su operador poder moverse con mayor facilidad entre una multitud. Por su parte,
los nuevos tipos de película implican que los realizadores pueden filmar más
escenas en la noche y en lugares Oscuros con menos iluminación artificial.
La mayoría de los directores graban las escenas en video a
medida que las filman y de inmediato lo pasan para asegurarse de que tienen la
toma que desean. La tecnología le computación ofrece excitantes posibilidades de
efectos especiales. Los realizadores también están experimentando con el
hológrafo, el cual utiliza el rayo láser para obtener una imagen tridimensional
generada por computadora a partir de una imagen lana.
La capacidad de digitalizar el color por medio de
computadoras también implica que las imágenes de los filmes se pueden
intensificar, precisar e inclusive transformar totalmente después de que se
filma la película, de una manera que era imposible hace Apenas diez años.
Distribución. Reproducir copias de las películas para
enviarlas a los cines y garantizar su llegada es uno de los aspectos más
costosos de la producción cinematográfica. En el futuro, es probable que las
compañías envíen sus películas vía satélite a las antenas parabólicas de cada
cine. Las presentaciones en vivo, como un concierto sinfónico o un evento
deportivo de importancia, podrían estar disponibles regularmente vía satélite en
su cine local o inclusive en su hogar.
Exhibición;" Con las VCR robándole el público, los cines
pueden recrear el entorno de palacio fílmico que encantaba a quienes los
frecuentaban en la década de 1930. "El cine deberá convertirse en una arena; un
palacio para experimentar plenamente la grandeza y el potencial de la película
cinematográfica", dice el futurista y consultor en tecnología electrónica Martin
Polon.
En 1944, la cadena de cines más grande del país, United
Artists, anunció que empezaría a ofrecer "simulación del movimiento" en algunos
de sus cines. Los asientos controlados especialmente se moverán junto con una
"película con movimiento" para dar la sensación de un viaje espacial u otras
aventuras.
"Estamos tratando de vincular la experiencia de ir al cine
con diferentes clases de experiencias tecnológicas, lo cual maximizaría el
atractivo de todo el complejo", afirmó
Stewart Blair,
director de United ArtistS.
La industria cinematográfica actual está pasando por dos
cambios importantes. La tendencia más reciente que influye sobre la industria
fílmica la orienta hacia la globalización, tanto de la propiedad como de la
mercadotecnia global. La segunda ~ tendencia apunta hacia la fusión de la
industria cinematográfica con la industria de,1ª televisión.
Influencia global. Compañías no estadounidenses poseen la
mitad de los principales estudios (Sony es propietario de Columbia Pictures, por
ejemplo, y News Corporation de Rupert Murdoch, es dueña de 20th Century-Fox).
Estas adquisiciones ocurrieron a fines de la década de 1980 y la primera mitad
de la década siguiente. Este porcentaje & propiedad extranjera es más alto en la
industria cinematográfica que en cualquier otra industria de medios masivos de
comunicación de Estados Unidos.
La propiedad extranjera implica un acceso más fácil a los
mercados extranjeros. Las películas estadounidenses son una de las exportaciones
más importantes de Estados Unidos y el ingreso derivado de su venta en el
extranjero representa más de un tercio , de las ganancias de la industria
cinematográfica. "Si Hollywood ha aprendido algo en los últimos años", señala
Business Week, "es que todo el mundo está ansioso por lo último que tiene para
ofrecer.
Concentración del poder de los medios de comunicación. En la
actualidad, las personas en la industria de la televisión compran sectores de la
industria fílmica, a la
vez que los dueños de ésta quieren asociarse con las
compañías de televisión. En 1993, la Federal Communications Commission permitió
que se constituyeran redes de televisión y distribuyeran sus propios programas,
lo cual abre la puerta para que las redes de TV participen en el negocio de las
películas.
El resultado podría ser la fusión de compañías que
financiarán, producirán, distribuirán y presentarán sus películas en sus propios
cines, en sus propias estaciones de televisión y en video. Al controlar todos
los aspectos del negocio, las compañías tendrán mejores posibilidades de obtener
beneficios de las películas que produzcan.
Los estudios tenían interés de ejercer este tipo de control
sobre sus películas antes de que los tribunales desmantelaran el sistema de
estudio con los decretos de 1948 .
La última esperanza de los estudios es anular dichos
decretos, de modo que una vez más puedan controlar la producción, distribución y
exhibición.
El Wall Street
Journal informa: " Algunos expertos de la industria piensan
que los participantes más agresivos podrían crear concentraciones de poder del
mercado superiores aun a los que ostentaban los estudios cinematográficos afines
de la década de 1930 y en la siguiente, con severas consecuencias para los
competidores más débiles". Los estudios más importantes de la actualidad están
intentando volver a ser lo que una vez fueron: un oligopolio maduro en la
empresa de los sueños.
Autora:
Laura Gurevich
lorita_666@hotmail.com Compartir Publicación enviada por Laura Gurevich Contactar mailto:lorita_666@hotmail.com Código ISPN de la Publicación EpylkFAEuAjnVakkMy Publicado Friday 7 de November de 2003 Ultimas Publicaciones en ilustrados.com
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