Monografias | El cine

En un principio, el cine fue poco más que una curiosidad de feria, un invento que permitía mostrar la realidad en movimiento. Con el paso de los años, sin embargo, se consolidaría como un espectáculo de masas, que atrae a las salas a miles de espectadores de cualquier nacionalidad, y como un arte característico del mundo contemporáneo.
Hoy en día, el cine constituye uno de los principales medios de entretenimiento de gran prestigio, en el ámbito mundial y nacional, sin embargo pocas personas conocen algo más allá de lo que ven en la pantalla o acerca de su evolución en el tiempo.
Esperamos que con este trabajo pueda servirles de utilidad, para futuras investigaciones…
ATENTAMENTE
El Equipo.

La invención del cinematógrafo estaba en el aire desde hacía ya cerca de cincuenta años, cuando los hermanos Lumière acertaron no sólo a idear un aparato capaz de efectuar tomas y de proyectar su positivo, sino también a explotar aquella invención organizando proyecciones públicas. El destino de los hombres se juega así ante ellos; Joseph Planteau había inventado el Fenaquistiscopio en 1.828; Emile Reynaud hacía moverse a unos personajes dibujados que él proyectaba con su Praxinoscopio; Edward Muybridge abandona muy pronto sus experiencias; Marey no se interesaba más que por sus estudios fisiológicos y otros no terminarían sus investigaciones. Pero nada permitía aún adivinar el futuro del cine.
Louis Lumière; era un químico e industrial francés, el cual ideó el mecanismo de arrastre de la película, lo que le permitió, con la colaboración de su hermano Auguste, construir el primer aparato cinematográfico en 1895. En junio de ese mismo año, Louis Lumière fue incluso el primer operador de actualidades al filmar a los asistentes del Congreso de fotografía descendiendo del barco en Neuville-Sur-Saône. Fundadores de una escuela de operadores que recorrerá el mundo con cámaras de su fabricación, los dos hermanos iban a contribuir al nacimiento de un género cinematográfico: el documental. El cine mostraría sus innumerables posibilidades gracias a su múltiple actividad.
Con el aparato cinematográfico se filmó la primera película, La Salida de los Obreros de las Fábricas Lumière, que fue exhibida el sábado 28 de Diciembre de 1.895 cuando se celebraba la primera proyección del cinematógrafo de los hermanos Lumière, patentado el 13 de febrero del mismo año. La sesión se celebró en el Grand Café de París, organizada por Clément Maurice. La entrada valía 1 franco, y asistieron 33 personas. Se proyectó un programa formado por once películas.
La Llegada del Tren, de Louis Lumière, fue un breve reportaje documental que, a pesar de su trivialidad, obtuvo un gran éxito popular. Lumière siguió produciendo breves cintas documentales y a él se debe la creación del género de los noticiarios; sin embargo, el inventor francés, más científico que empresario, no llegó a captar las posibilidades comerciales del aparato cinematográfico que había inventado.
El propio padre de Louis y Auguste Lumière habla de la primera proyección de sus hijos como de una simple "curiosidad científica". Sin embargo, si no lo inventaron todo, los hermanos Lumière serán los primeros en comercializar aquella "novedad". Ya como fotógrafos y asegurando el desarrollo de sus fábricas de placas fotográficas y de productos químicas, realizaron, en un año, cincuenta pequeños filmes de todo género.
Desde 1.895 hasta el año 1903, los hermanos Lumière produjeron más de 2.000 películas de 16 mm, que en la mayoría de los casos eran filmaciones de escenas naturales, algunas de ellas de carácter cómico (como El regador regado), vistas de distintos países, etc. El auge industrial de la cinematografía les llevó a abandonar esta actividad. Louis se dedicó al estudio de la fotografía en color y en relieve. En 1920 obtuvo la fotoesterosíntesis, y en 1935, el cine estereoscópico.
El primer estudio de cine del mundo, verdadera fábrica de sueños en película, fue concebido, financiado y organizado por Méliès en octubre de 1.896, en el parque de su propiedad de Montreuil-Sous-Bois. Su realización costó a su propietario unos 70.000 francos-oro; pero, ¿qué importaba el dinero a un hombre que así daba a su pasión un medio de realizarse? de 1.897 a 1.914 Méliès produjo unos 4.000 filmes. Entre las paredes de este estudio se hicieron realidad las invenciones de este creador-inventor que se obstinaba en hacer del mundo mágico una regla de oro para un espectáculo cinematográfico. Méliès creó el rodaje en estudio y la mayor parte de los trucajes del cine moderno y fue el legítimo inventor del género fantástico con la película Viaje a la Luna (1902).
En 1.900, el estudio tenía 23m de ancho y dos pisos, donde se encontraban los camerinos de las mujeres y de los hombres. A cada lado del escenario, dos grandes departamentos contenían los decorados y todos los accesorios indispensables a los mecanismos de la realización. Los primeros estudios americanos fueron construidos por Stuart Blacktone, en Florida, en 1.905.
En este mismo año, sólo habían 10 salas en todo Estados Unidos, luego una oleada de emigrantes recientes había alquilado todos los emplazamientos disponibles para mostrar al público unos filmes que los pioneros del cine fabricaban y montaban ellos mismos, con lo que para 1.919 ya se alcanzaba la cifra de 10.000 salas en todo el país.
Durante los primeros años del siglo, el cine, además de ser medio de expresión, empezó a transformarse en una poderosa estructura industrial: pronto surgieron en Francia las primeras sociedades de producción, como la Pathé y la Gaumont; este fenómeno resultó muy evidente también en EE UU, donde Thomas A. Edison (1847-1931) fundó la Edison Co., una productora que, junto con la American Biograph Co. y la Vitagraph Co., controló desde el primer momento el mercado norteamericano.
Edison no tardó en desencadenar la llamada «guerra de las patentes» con el objeto de monopolizar toda la producción de la incipiente industria cinematográfica, para la que el célebre inventor financió películas de tanto éxito como El Beso (1896) y, sobre todo, Asalto y Robo de un Tren (1903), de E.S. Porter, título fundamental de uno de los géneros cinematográficos por excelencia: el western.
La completa gestación del lenguaje artístico del cine se logró entre 1908 y el final de la I Guerra Mundial, período que antecede
al apogeo del cine mudo de los años veinte. En este proceso intervino una serie de innovaciones técnicas que mejoraron la calidad de las imágenes.
La eliminación del molesto centelleo de las proyecciones primitivas permitió alargar las exhibiciones y, con ello, la longitud de las películas; además, las exhibiciones tendieron a estabilizarse en salas de proyección y el público se acostumbró a asistir a las sesiones de modo regular. En la formación de este hábito contribuyó en gran medida la aparición del cine de episodios, uno de cuyos mayores especialistas fue el francés L. Feuillade, colaborador habitual de la Gaumont. En EE UU, otro francés, L. Gasnier, llevó este género a su máxima expresión con los 36 episodios de Los misterios de Nueva York (1914-1915).
En los años anteriores a la I Guerra Mundial, el cine danés ocupó un papel muy destacado gracias a sus melodramas pasionales y a su audacia en la presentación de temas eróticos; de esta cinematografía surgió una de las primeras «mujeres fatales» de la pantalla: la actriz A. Nielsen. El cine nórdico contribuyó al joven arte cinematográfico con la obra de dos directores de primer orden: V. Sjöstrom y C.Th. Dreyer, realizador de una de las películas capitales del cine mudo: La pasión de Juana de Arco (1927).
Durante el mismo período se fraguó también la cinematografía italiana, con grandes y espectaculares producciones, como Quo Vadis? (1912), de E. Guazzoni, y Cabiria (1913), de G. Pastrone, en la cual intervino como operador S. de Chomón. Sin embargo, en la creación del lenguaje artístico cinematográfico intervinieron de modo preferente los cineastas estadounidenses, muy en particular D.W. Griffith, quien sintetizó los mejores hallazgos expresivos que habían de conformar la sintaxis básica del cine mudo (la utilización con fines dramáticos de la técnica del montaje, el uso alternado de los encuadres con el plano medio y el primer plano y con la innovación del gran plano general de un paisaje, la técnica del jump cut -corte sobre un mismo emplazamiento de cámara con el objeto de representar un paso de tiempo, la narración de dos historias paralelas y el flash back-, la técnica de la profundidad de campo). Todo este cúmulo prodigioso de innovaciones se dio cita en sus dos obras maestras: El Nacimiento de una Nación (1915), la película más taquillera de la historia del cine mudo, e Intolerancia (1916).
En la época en que Griffith triunfaba, EE UU alcanzó la supremacía cinematográfica a escala mundial. La industria estadounidense se asentó de forma progresiva desde 1913 en un arrabal de Los Ángeles denominado Hollywood, donde fueron acudiendo los productores independientes que abandonaban Nueva York para eludir los ataques del trust organizado por Edison. Algunos de estos productores forman parte de la historia del cine, como W. Fox, S. Goldwyn, los hermanos Warner y A. Zukor, quien, en 1914, fundó la Paramount, que llegó a gestionar un circuito de cinco mil salas de exhibición. La nueva industria afincada en Hollywood se vinculó desde sus inicios a dos fenómenos cinematográficos: el western y el star-system; el western se convirtió en el género cinematográfico más popular, gracias en gran parte al productor y realizador Th. Harper Ince, y, al popularizar a determinados actores, contribuyó a la aparición del star-system, fórmula que cifraba el éxito comercial en el renombre y en la celebridad de las estrellas que intervenían en una película y en cuyo arraigo desempeñaron un papel esencial el uso del primer plano y el encasillamiento de los actores en ciertos arquetipos idealizados.
La supremacía del cine estadounidense de este período - que no tardó en emprender el camino de las costosas y espectaculares superproducciones, como Los diez mandamientos (1923), de C.B. de Mille- vino dada, asimismo, por el desarrollo del cine cómico, impulsado en primer lugar por M. Sennett, en cuyos estudios se formó el más célebre de los actores cómicos, Ch. Chaplin, quien, a partir de 1916, se hizo mundialmente famoso con el personaje de Charlot; otras figuras primordiales de la escuela cómica estadounidense fueron H. Lloyd y B. Keaton.
El cine mudo alcanzó su edad de oro en los años veinte. Tras superar la paralización impuesta por la guerra, el cine europeo volvió a brillar con luz propia gracias al cine alemán, soviético y francés. La revelación del cine alemán tuvo lugar en 1919 con el estreno de El gabinete del doctor Caligari, de R. Wiene, que abrió las puertas a la estética del expresionismo cinematográfico, cuyos dos grandes maestros fueron F.W. Murnau, autor de Nosferatu, el vampiro (1922) y de El último (1924),
y F. Lang, autor de Los Nibelungos (1923-1924) y de Metrópolis (1926).
El cine sonoro (1928-1945). Pese a las reticencias iniciales con que fue acogido, el cine sonoro fue ganando posiciones desde su invención en 1928, hasta desplazar por completo al cine mudo a lo largo de los años treinta. Las pimeras películas de calidad se debieron a J. von Sternberg, René Clair y King Vidor; de forma paulatina, los grandes maestros del cine mudo, como Chaplin, Lang y Eisenstein, se adaptaron al nuevo medio y prosiguieron su brillante filmografía. El cine sonoro propició el desarrollo de dos nuevos géneros: la comedia y el cine de gángsters, muy cultivados en EE UU. Maestros consumados de la comedia fueron E. Lubitsch y F. Capra, cuyas obras, elegantes y refinadas, coexistieron con el género romántico en una época en la que el star-system femenino se hallaba dominado por dos actrices de origen europeo: M. Dietrich y G. Garbo. El cine de gángsters, por su parte, fue cultivado, entre otros, por H. Hawks y M. Le Roy. La depresión económica estadounidense propició la aparición de un cine social, de fuerte acento crítico, entre cuyos realizadores cabe citar a W. Wyler. Aunque, sin duda, uno de los directores más relevantes del cine estadounidense de estos años fue J. Ford, que dignificó el western en La diligencia (1939).
El cine sonoro conllevó la aparición de nuevos talentos cómicos, como O. Hardy y S. Laurel y como los hermanos Marx, famosos a raíz de la comicidad disparatada de Sopa de Ganso (1933) y Una noche en la Ópera (1935), y resultó muy beneficioso para las películas de dibujos animados - género que, iniciado en los años veinte, siguió desarrollándose gracias en gran parte a la personalidad de W. Disney para las adaptaciones literarias, entre las que cabe destacar la realizada por V. Fleming de la novela de M. Mitchell Lo que el Viento se Llevó (1939). En el capítulo de las innovaciones, esta época vio surgir uno de los genios más significativos de la historia del cine: el actor y director estadounidense Orson Welles, quien, con Ciudadano Kane (1941), aportó sugestivas y originales técnicas (la composición en profundidad, el plano-secuencia, la utilización sistemática del flash-back y el enfoque de audaces perspectivas visuales, facilitadas por el uso de decorados con techos). La influencia de Welles se hizo notar en el cine negro, que nació en 1941 con El halcón Maltés, de John Huston.
En el cine estadounidense de posguerra, se asistió a un apogeo del cine negro y a la progresiva aparición en escena de los miembros de la llamada «generación perdida», duramente golpeada por el maccarthismo (J. Huston, B. Wilder, E. Kazan, N. Ray y F. Zinnemann); el género musical conoció por entonces su época dorada, con los filmes de V. Minnelli, Un Americano en París (1951), y S. Donen, Cantando bajo la Lluvia (1952), que lanzaron al estrellato a G. Kelly y a F. Sinatra. El cine contemporáneo. La implantación acelerada de la televisión en EEUU y en Europa entre los años cincuenta y sesenta significó para la industria cinematográfica un nuevo reto.
El cine estadounidense reaccionó impulsando producciones colosales, como la nueva versión de Los Diez Mandamientos (1956), de C.B. De Mille, y Ben-Hur (1959), de W. Wyler, y auspiciando la aparición de un cine de autor, basado en la libertad creadora y en la alta calidad artística del producto (R. Aldrich, A. Penn, M. Nichols, S. Peckinpah y S. Kubrick). En los últimos años, el cine estadounidense cuenta, entre otros, con P. Bogdanovich, W. Allen, M. Scorsese, F. Ford Coppola y S. Spielberg, quien ha revitalizado el género de aventuras con la serie de Indiana Jones (1981, 1984, 1989).
El cine de autor alcanzó también un notable desarrollo en los países del bloque socialista, donde se hicieron valer realizadores como A. Wajda, R. Polanski, J. Skolimowski y M. Forman. La cinematografía británica fue renovada en los años sesenta por el movimiento del free cinema, integrado, entre otros, por L. Anderson, K. Reisz, J. Schlesinger y T. Richardson; de forma paralela a este movimiento desarrollaron su actividad D. Lean - Lawrence de Arabia (1962), Doctor Zhivago (1966) - K. Russsell y J. Losey.
El cine de autor español se consolidó tras el advenimiento de la democracia y en virtud de realizadores como M. Gutiérrez Aragón, P. Miró, V. Erice, J. Chávarri, G. Suárez, J.L. Garci y J.J. Bigas Luna. Con posterioridad, el cine español ha adquirido proyección internacional a través de las películas de P. Almodóvar.

Las películas en color han existido desde los comienzos mismos del cine, gracias al procedimiento artesanal de pintar fotograma a fotograma, o de virar la película en tonos monocromos por medio de un baño colorante. Siguiendo las experiencias de Newton en el s. XVII y las teorías de la visión cromática establecidas por Young y Helmholtz en el XIX. Maxwell demostró en 1861 el principio de la tricromía, que Ducos du Hauron aplico en 1868 a la fotografía; diez años después, éste logro superponer las tres emulsiones necesarias para reproducir los colores en una misma película.
El primer sistema patentado de cine en color en la historia, el Kinemacolor, se basó en el principio de la bicronomía; fue registrado en 1906 por G.A. Smith y Charles Urban, y permitía teñir alternativamente de rojo y de verde las imágenes durante la proyección, a una cadencia de 32 por segundo, por medio de unas pantallas coloreadas transparentes dispuestas ante el objetivo. En 1911 el alemán Rudolf Fischer patentó un sistema que, perfeccionado en 1936 por el trust Agfa, se denomino Agfacolor; industrializado en 1940, se aplicó al cine por primera vez en el film de Veit Harlan La Ciudad Soñada (Die Goldene Stadt, 1942) y utilizaba tres emulsiones superpuestas sobre los mismos soportes, sensibilizadas al azul, verde y rojo respectivamente, invirtiendo luego los colores en el negativo para tirar copias sobre otra película con tres emulsiones. Pero el primer procedimiento que alcanzó un renombre mundial fue el Technicolor, fruto de lo trabajos iniciados en 1914 por los ingenieros Herbert T. Kalmus, Daniel Frost Comstock y W.B Westcott en el Instituto Tecnológico de Massachusetts, en su primera edición se trataba de un sistema bicrómico de dos películas de colores complementarios, que se dio a conocer en el cine comercial con The Toll of The Sea (1922) de Charles M. Franklin.
La progresiva estabilización de los diferentes sistemas surgidos posteriormente, que se basan en los principios ya descritos, simplificó los procesos y contribuyó a popularizar el color tras el gran éxito mundial de Lo que el Viento se Llevo (Gone with the wind, 1939), de Victor Fleming; entre ellos cabe destacar el Gevacolor de la casa belga Gevaert, Ferranicolor de la italiana Ferrania, Anscolor de la americana Ansco, el sistema japonés Fujicolor, el soviético Sovcolor basa do en la Agía, etc. A partir de 1956 se generalizó el uso de negativos monopack (de una sola emulsión) para la filmación y de positivos technicolor para el tiraje de copias, de resultados menos inestables y más económicos.
La creciente adaptación por directores de primera línea, como Visconti (Senso, 1954) o Mizoguchi (Yang Kwei Fei, 1955), significó una mayor prestigio para el cine cromático, que recibió un definitivo espaldarazo internacional con el triunfo en Venecia del filme de Antonioni Il Deserto Rosso (1964)¡. La madurez de los profesionales, la estabilidad de los sistemas, La integración del color a todas las esferas de vida cotidiana, el mercado suplementario de la televisión, han motivado que, en la actualidad, la producción las películas cromáticas tienda a superar en todo el mundo a las filmadas en blanco y negro.

La técnica del cine consiste en hacer pasar ante nuestros ojos varias imágenes por segundo, dándonos así la ilusión del movimiento; en efecto las imágenes percibidas por nuestra retina no se borran instantáneamente. Esta es la razón por la que nuestro ojo no percibe más que una línea continua de fuego cuando agitamos un tizón en la oscuridad. La observación de este fenómeno se remonta en la Antigüedad, pero fue necesario que los hombres necesitasen fotografiar las sucesivas fases del desplazamiento para que de una observación naciese una invención que iba a convertirse en un nuevo medio de expresión.
El proceso creador de una película se inicia con la redacción del guión – que puede ser un texto original o una adaptación literaria – por el director, por uno o varios guionistas o en colaboración mutua. Cuando el guión es aceptado por el productor o una empresa productora dispuesta a financiar la película, se establece los reparto de actores que deberán interpretarla, se localizan los escenarios de rodaje, se construyen los decorados de estudios, si los hubiere, y se selecciona al personal técnico y artístico que trabajara a las órdenes del director. Una vez comenzado el rodaje, el director es la máxima autoridad en el terreno artístico - técnico, mientras que la responsabilidad de la buena marcha económica y administrativa de la película recae en el director general de producción o en el jefe de producción, representa los intereses de la empresa.
A las órdenes del director están, además, de los actores, operador jefe, responsable de la iluminación y de la calidad de fotografía, su ayudante o cameraman, encargado del encuadre de cada toma, el maquillador, el técnico de sonido, el ayudante de dirección y los obreros y maquinistas del equipo. En la operación de rodaje se impresiona la película virgen a la cadencia de 24 imágenes por segundo (16 en cine mudo) y puede registrarse también el sonido en toma directa, aunque en algunos registra se prescinde del registro de sonido, o se graba únicamente un sonido de referencia. Salvo rarísimas excepciones, la película no se rueda siguiendo la continuidad establecida en el guión, sino según convenga en cuestiones de economía y organización, velando la scriptgirl (o secretaria de rodaje) para que a pesar de ello no se produzcan fallos de raccord u otras anomalías en la continuidad narrativa.
La película que se impresiona cada día, sigue el plan de rodaje establecido, es enviada al laboratorio para ser revelada, positiva y controlada directamente por el director, quien selecciona las tomas que le resultan más satisfactorias. Este material llamado copión, pasa a manos del montador, que es el encargado de eliminar los trazos inservibles (descartes) y de restablecer a partir de dicho material la continuidad narrativa del guión en la llamada copia del trabajo, en la que se empalman ordenadamente los planos que la compones.
Cuando el rodaje a concluido, el director y el montador de aplican a realizar las operaciones propias del montaje en dicha copia con la ayuda de la moviola y empalmando los planos entre sí mediante un adhesivo con acetona. Cuando la copia del trabajo entera satisfacción del director, se procede a sonorizarla, en caso de que se hubiera sido rodada sin sonido, o ha montar la banda sonora, en caso contrario, en sincronía con la película montada.
Para la sonorización se emplean tres bandas sonoras, independiente correspondiente a las grabaciones de diálogos, músicas y efectos sonoros respectivamente, que el ingeniero de sonido funde luego de una banda única mediante la operación de la mezcla. A partir de la copia positiva montada se establece idéntica continuidad con la película negativa correspondiente, y de esta película negativa así montada se tiran las copias positivas para la explotación, que llevan incorporadas en el mismo soporte los fotogramas y la banda óptica de sonido.
Del negativo original puede también tirarse una copia positivo de grano muy fino, llamada lavender, de la que se obtiene un segundo negativo, utilizado para tirar las copias de explotación, quedando depositada la película negativa original en un almacén que reúna condiciones de seguridad (llamado voltio en el argot cinematográfico). La primera copia positiva se denomina copia estándar o copia cero y a partir de ella se efectúan las correcciones de luminosidad de los diversos planos para obtener uniformidad en la calidad fotográfica de cada escena, operación que realiza él director de fotografía y que se llama etalonaje. Las sucesivas copias positivas se denominan copia 1 copia 2, etc. La proyección de la película sobre la pantalla se efectúa haciéndole desfilar, en el aparato proyector situado ante ella, entre una fuente de luz intensa y el objetivo de proyección que se utilizó para impresionarla. Cuando las cadencias no son las mismas, se produce el fenómeno anómalo de movimiento retardado o acelerado.
Por su longitud la película puede ser un largometraje o un cortometraje. Atendiendo a su estructura se divide en secuencias, escenas y planos que han sido comparados, sin gran rigor, al capítulo, párrafo y frase de una novela. El plano es una dramática fundamental, computa por una serie de fotogramas estáticos impresionados por la cámara con rigurosa continuidad de tiempo y se define por cinco elementos: encuadre (espacio transversal abarcado), campo (espacio longitudinal abarcado), ángulo (incidencia de eje óptico sobre el sujeto), movimiento (panorámica travelling o grúa) y metraje (o longitud de plano).
El montaje de los diversos planos, que hace nacer la unidad orgánica del film, permite crear un espacio y un tiempo cinematográficos distintos a los reales. Pero en el interior del plano el espacio y el tiempo son reales, a menos que intervengan trucajes distorsionadores (acelerados, maquetas, transparencias, etc.).

La cinematografía constituye una de las industrias más importante de bienes de consumo, de origen reciente y que generan mayor cantidad de economías externas, que inciden en una serie de actividades, desde las publicaciones gráficas hasta la industria de confección, abarcando buena parte de los bienes de consumo.
El film, eje central de la industria cinematográfica, reviste la característica de ser un producto de consumo masivo. La cinematografía como fenómeno económico presenta dos peculiaridades: a) la demanda de filmes es una demanda dirigida, por tanto no libre; b) se trata de una industria ligada a la evolución de las condiciones técnicas incluso sociales de este siglo XX. La industria cinematográfica se inicia con una carácter acentuadamente artesanal en las postrimerías del s. XIX y principios del s. XX.
En una primera etapa, que abarca hasta la I Guerra Mundial, la industria cinematográfica se enfrentó, por un lado, con la escasez de película virgen y, por otro, con una oferta escasa para hacer frente a una demanda débil. La distribución de los filmes se realizó en esta primera etapa a partir de los productores, que suministraban filmes directamente a los exhibidores, a menudo ambulantes.
Surgen los primeros locales cinematográficos, lo que impulsó notablemente a la demanda e hizo aparecer filmes de duración superior a 200 mts. Pathé, Edinson, Biographa, Vitagraph y Messter son los nombres que corresponden a los primeros años de esta época, en que se condolida definitivamente el comercio del film y se separan las tres ramas de la actividad cinematográfica: producción, distribución y exhibición siendo en definitiva los distribuidos quienes controlan en definitiva el mercado, especialmente frente a la atomicidad de los productores.
Hacia 1.910 aparecen las primeras tentativas monopolísticas: Pathé et Gaumont, distribuidora francesa, se extendió por toda Europa y consiguió llegar a la concentración vertical al abarcar la producción, distribución y la exhibición. En EE.UU la Motion Pictures Patents Company desempeñaba un papel semejante. La Primera Guerra Mundial interrumpió el rápido crecimiento de la oferta y el proceso de concentración industrial. Surgieron las compañías independientes, que impusieron los largometrajes y el Start-Systems, con lo que se consiguió aumentar el valor comercial del film.
La Segunda Etapa abarca el período 1918 al 1927. En Alemania surgió la UFA, y en EE.UU, las compañías independientes Paramaunt, Goldwyn, Warner Bros, Fox, etc., se prepararon para la conquista del mercado mundial. En 1920 EE.UU, produjo 796 largometrajes, frente a 646 producidos por Alemania y 65 en Francia. En este año cerca del 80% de las películas proyectadas en Europa fueron estadounidenses. Hollywood surgió en esa época como sede mundial de la industria cinematográfica, y con ello se impuso definitivamente la necesidad de cambiar la estructura financiera anterior. En la década de los 20 la banca inició su dominio de la industria cinematográfica, y al final de la etapa del cine mudo había absorbido en EE.UU todas las compañías independientes, excepto las 7 grandes de su época: 20^th Century Fox, Warner Bros, Paramount Universal Pictures, United Artits, First National y Metro-Goldwyn Mayer. En esta época inciaron su producción masiva Gran Bretaña, la U.R.S.S., Japón y la India.
La Tercera Etapa del cine como industria abarca el período de 1948 al 1945. Rasgos característicos en esta fase son la consolidación del cine sonoro y con ello la aparición de la industria electrónica en el control de la industria cinematográfica. En EE.UU destacará la importancia de la American Telephon and Telegraph y de la General Electric (a través de la RCA).
Con la aparición del sonoro el control de la industria se pierde definitivamente para las empresas puramente cinematográficas, y se concentra en manos de la gran banca y de la industria electrónica. Esta etapa marca la cada vez mayor trascendencia del filme como producto de exportación. En este mismo período se introduce y se consolida el cine en color, que representa mayor comercialización del producto, y un nuevo acicate a la demanda. En Gran Bretaña surgirá como gran empresa de rango internacional The Arthur Rank. Japón e Italia consolidarán en esta época su cinematografía.
La Cuarta etapa de la industria cinematográfica abarca el período de 1945 al 1957, y tiene como característica esencial la competencia con la televisión en los países industrializados. Esta competencia obliga a la continua introducción de nuevos sistemas en la década de los años 50 (Cinerama, Cinemascope, Todd-AO, etc.) y la reconversión de la producción ante la necesidad de realizar telefilms, especialmente en los EE.UU, lo que repercute en l descenso de la producción.
Surge, por otra parte, una industria cinematográfica de carácter estatal, en los nuevos países socialistas de modo especial en Checoslovaquia y en Polonia (cabe destacar el film Polsky de este último país). En 1946 se inicia una nueva forma de producción de filmes, la coproducción realizada mediante el acuerdo entre productoras de distintas nacionalizadas para compartirse los costes y conseguirse mayores beneficios, realizando copias con escenas distintas según el rigor de la censura de los distintos países. Italia, Francia y, posteriormente, España y Alemania, son los primeros países en régimen de coproducción.
La última etapa de la industria cinematográfica se abre entre 1958 y 1960. En ella destaca la creciente producción del Japón, que con sus cinco grandes productores (Shochiku, Toho, Daiei, Tohei y Shintoho) cubre las necesidades no sólo del Japón y de gran parte del sudeste asiático, sino que se ha convertido en uno de los mayores exportadores mundiales. India y Hong Kong son ejemplos de productores que han incrementado extraordinariamente su producción. Los países iberoamericanos únicamente mantienen una posición destacable Méjico, Argentina y Brasil, habiendo descendido notablemente la producción argentina y en menor grado la mejicana.
En España la producción cinematográfica se inició a finales del último decenio del siglo pasado, pero durante la primera mitad del actual mantuvo en gran parte el carácter artesano inicial; entre 1939 y 1953 se produjeron 639 filmes por 199 productoras.
El despegue de la industria cinematográfica se inició al final de la década de los 50, propiciado por las coproducciones (en 1967, de 140 largometrajes 91 lo eran en régimen de coproducción) generalmente con Italia. Sin embargo, el mercado español continua dominado por los filmes EE.UU. la exportación de filmes españoles, independientemente de las coproducciones, es bajísima debida a su escasa comercialidad provocado por el rigor de la censura y insuficiente calidad comercial.

Son procedimientos que permiten intervenir sobre el contenido visual o sonoro de las escenas presentadas al espectador. La denominación engloba las diferentes técnicas con las que se crean efectos artificiales mediante la manipulación de los parámetros (velocidad, iluminación, etc.) que caracterizan la imagen registrada por la cámara cinematográfica.
Entre los diversos dispositivos utilizados para crear efectos especiales destacan los filtros, que permiten absorber parte de la luz, generar imágenes múltiples (gracias a una superficie tallada de forma concreta), enfocar simultáneamente dos motivos (uno cercano y otro lejano), etc. Asimismo, se consideran efectos especiales los fundidos (desaparición gradual de una escena), los encadenados (doble exposición que permite transformar una escena en otra), las cortinillas (para ocultar una imagen y revelar otra) y la sobreimpresión (doble exposición que permite que una imagen aparezca superpuesta a otra). La modificación de la velocidad de registro permite crear efectos de aceleración o frenado de las imágenes (cámaras lenta y rápida) o la exposición a intervalos (gracias a la cual se pueden hacer «aparecer» y «desaparecer» objetos o personas). Forman parte de las técnicas de efectos especiales la utilización de maquetas, la superposición de vidrios pintados que ocultan partes del motivo que se desea ocultar (mat-painting), el empleo de viñetas (para superponer personajes a fondos, limitar imágenes, etc.), las composiciones de espejos y la proyección de fondos animados. Finalmente, las técnicas para la creación de efectos especiales incluyen todo cuanto se relaciona con los dibujos animados.

Desde las primeras escenas cotidianas de los hermanos Lumière, el cine se acercó a todo tipo de temas, en cualquier lugar y etapa histórica. Por su temática central, los filmes se han clasificado en una serie de "géneros", con sus normas, personajes y tópicos característicos, que se han mantenido dentro de ciertas constantes a lo largo de muchos años. Algunos de estos géneros son:

Documental:
El objeto del cine documental es el reflejo más o menos fiel de la vida real. Sus pioneros fueron los Hermanos Lumière y los noticieros de Charles Pathé. El Estadounidense Robert Flaherty fue su principal cultivador, con Nanook Of The North (1922; Nanuk el Esquimal). Durante la segunda Guerra mundial, el género se puso al servicio de las diferentes naciones en conflicto. En el Reino Unido, John Grierson creó una importante escuela documentalista.

Western:
Trata el Western del mundo del oeste Norteamericano (pistoleros, indios, diligencias, trenes). Se inició con Edwin S. Porter y The Great Train Robbery (1903; Asalto y Robo de un Tren), y en el cine mudo lo cultivaron Thomas H. Ince y D. W. Griffith. La Consagración del género llegó con Stagecoach (1939; La diligencia), de John Ford, exaltación de la dura vida del oeste, como ocurrió también en las obras de Howard Hawks y Anthony Mann. En la década de 1960, con Sam Peckinpah, se inició un tipo de Western de tendencia desmitificadora.

Cine épico y de aventuras:
Refleja el Cine Épico y de Aventuras un mundo heroico de combates y aventuras, de grandes decorados, predominando la acción y lo narrativo. Sus protagonistas abarcan todas las épocas Históricas. Los primeros fueron los filmes italianos que exaltaban el pasado de su país. Los soviéticos le dieron un impulso épico, con sus temas revolucionarios. En el mudo destacó Napoléon (1926), de Abel Gance. Ya en el sonoro cabe citar, a título meramente ejemplificador, Las series sobre Tarzán; Cleopatra (1963), Steven Spielberg dio nueva vitalidad y cierto humor al género en la década de 1980 con la ya mencionada Raiders Of The Lost Ark y otras cintas.

Filmes de guerra:
Las películas de guerra ofrecen ésta como espectáculo cinematográfico, con tono patriótico o crítico. Se inició el género con The Birth of a Nation (1915; El Nacimiento de una Nación), de Griffith. Las dos guerras mundiales inspiraron muchísimas películas, Como The Big Parade (l925; el gran desfile), del Estadounidense King Vidor, y la mencionada la grande Illusion, del francés Jean Renoir. La crítica a los horrores bélicos fue ejemplificada por el estadounidense Joseph Losey en King And Country (1964; Por el Rey y la Patria). La guerra del vietnam daría pie a numerosas Películas en los estados unidos, como Apocalypse Now (1979), de francis ford coppola, y platoon (1986; Pelotón), de Oliver Stone.

Cine de terror:
Recurre el cine de terror a la fantasía y al miedo a través de personajes monstruosos o sobrenaturales -fantasmas, brujas, demonios, vampiros-. Empezó con el expresionismo alemán. Clásicos del género han sido Dracula (1931), con el actor Bela Lugosi; Frankenstein (1931), con Boris Karloff; y King Kong (1933). En la década de 1940, la productora Estadounidense r.k.o., y más tarde la Hammer Británica, se especializaron en estos temas. A partir de La década de 1970, este género se hizo más descriptivo Y violento, según una tendencia iniciada Por The Night of the Living Dead (1969; la noche de los muertos Vivientes), de George Romero. Gran éxito alcanzó Poltergeist (1982), de Tobe Hooper.

Ciencia-ficción:
Comprende el género de la Ciencia-ficción viajes interplanetarios, seres Extraterrestres, experimentos atómicos y mundos Futuros. Puede acercarse al cine de terror y al bélico. Han destacado 2001, a Space Odyssey (1968), del Estadounidense Stanley Kubrick, y Star Wars (1977; La Guerra de las Galaxias), de su compatriota George Lucas. Un estilo muy personal mostró el soviético Andréi Tarkovski En Solaris (1972). Otro estadounidense, Steven Spielberg, dio nuevas perspectivas al género y consiguió enorme popularidad con E. T. (1982).

Cine musical:
Se denomina cine musical al género en que las escenas cantadas o bailadas son las predominantes. Nació con el sonoro y se estableció sobre todo en los estados unidos según el modelo de los espectáculos de Broadway. Entre los grandes creadores estuvieron los directores Busby Berkeley y Stanley donen, el actor Fred Astaire el actor y director Gene Kelly, y el director y coreógrafo Bob Fosse. Un Peculiar intento de revitalizar el musical fue Cotton Club (1983), de Francis Ford Coppola.

Comedia:
Se basa la comedia en el humor y el enredo, y Busca ante todo la carcajada y la sonrisa. Sus primeros Maestros fueron Charles Chaplin y Buster Keaton, que Dirigieron y protagonizaron sus películas. Con el cine Sonoro se consagraron en los estados unidos los Hermanos Marx, Frank Capra y Ernst Lubitsch, mientras En Europa triunfaban las comedias italianas y el francés Jacques Tati. Posteriormente sobresalió el Estadounidense Woody Allen, que consolidó su gran prestigio gracias a la comedia lírica The Purple Rose of Cairo (1985; La Rosa Púrpura de El Cairo).

Cine político:
La temática política es tratada con frecuencia por el cine. A lo largo de la historia Cinematográfica han abundado los especialistas en este tipo de argumentos, tanto en el ámbito documental como en el de la dramatización de episodios reales de significación política. Ya en sus primeras décadas de desarrollo el "Séptimo Arte" contó con notables muestras de su motivación política, tales como las obras capitales De Serguéi Eisenstein Bronenósets Potiomkin (1925, el Acorazado Potemkin) y Oktiabr (1928; octubre). Posteriormente, otros célebres directores dedicaron buena parte de su obra a creaciones en las que predominaban los aspectos políticos.

Cine social:
Los argumentos sociales, parcialmente afines a géneros específicos como el melodrama y a estilos como el neorrealismo, presentan numerosas manifestaciones a lo largo de la evolución del arte Cinematográfico. Merecen destacarse, entre otros, títulos Como The Grapes Of Wrath (1940; Las Uvas de la Ira o Viñas de Ira), de John Ford; Ladri Di Biciclette (1948; Ladrón de bicicletas), de Vittorio De Sica; los Olvidados (1950), de Luis Buñuel; y la red (1953), de Emilio (el indio) Fernández.

Cine negro y policiaco:
Los argumentos clásicos del Cine negro versan sobre crímenes y criminales, policías y Detectives, gángsters y ladrones. Tema preferido es el Del mundo del hampa en la década de 1920 en los Estados unidos. Entre las Muchas obras maestras del género cabe citar The Maltese Falcon (1941; el halcón maltés), de John Huston, y la Personalísima Touch Of Evil (1957; sed de Mal), de Orson Welles. El reino unido ofreció una visión icónica del mundo del espionaje con la serie sobre James Bond, cercana al cine de aventuras. Posteriormente, el género osciló entre la recreación de los modelos clásicos -Chinatown (1974), producción estadounidense del Polaco Roman Polansky- o la adaptación a las nuevas circunstancias sociales, de lo que fueron muestra la ya Citada Der Amenkanische Freund (1976), del alemán Wim Wenders, y Witness (1985; último testigo), Realizada en los estados unidos por el australiano Peter Weir.

Melodrama:
El género del melodrama se centra en las pasiones humanas, destacando lo trágico y lo dramático y desarrollando conflictos individuales. Han sobresalido Los austríacos Erich Von Stroheim y Josef Von Sternberg, El italiano Luchino Visconti, el estadounidense de origen Alemán douglas sirk, los cineastas japoneses y el francés François Truffaut.

Filmes de propaganda:
Divulgan los filmes de Propaganda ideas sociales y políticas en favor de una ideología determinada. Los primeros en impulsar este Cine fueron los cineastas rusos. En Alemania, con el Nazismo, se desarrolló toda una propaganda política Dirigida por Goebbels. Tras la guerra, en los estados Unidos se produjo una corriente anticomunista, Defendida por el comité de actividades Antiestadounidenses. La renovación del género vino con El Neorrealismo Italiano.

Cine animado:
Por cine animado se entiende la Filmación de dibujos o muñecos fotograma a fotograma. Sus precursores fueron los franceses Émile Reynaud y Émile Cohl. El gran impulso lo dio Walt Disney en los Estados unidos. Entre las principales escuelas debe citarse la checoslovaca, con Jiri Trnka, y la canadiense, impulsada por Norman Mclaren. Un ambicioso intento De ampliar las posibilidades fue la adaptación de la novela The Lord Of The Rings (El Señor de los Anillos), realizada en 1978 por Ralph Bakshi.

Diccionario Enciclopédico SALVAT UNIVERSAL.

Tomo Nº 7.
Editores SALVAT.
Barcelona, España.
1.969

GRAN ENCICLOPEDIA DE VENEZUELA.
Tomo Nº 7.
Editorial Globe.
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ENCICLOPEDIA HISPÁNICA.
Macropedia. Tomo Nº 4.
Por: Encyclopedia Britannica Publishers, Inc.
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ENCICLOPEDIA HISPÁNICA.
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Por: Encyclopedia Britannica Publishers, Inc.
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Enciclopedia Multimedia ENCARTA 1.998.
Por: Microsoft.
USA, 1.998.

Enciclopedia Multimedia PLANETA D^e AGOSTINI.
CD Nº 1-12.
Editorial PLANETA D^e AGOSTINI
Revista PRIMICIA.
Venezuela, 1.997.

Actor: Hombre que representa un personaje en una obra teatral, cinematográfica, televisiva o radiofónica.
Actor Secundario: Actor cinematográfico que interpreta un papel que no es protagonista.
Actriz: Mujer que representa un personaje en una obra teatral, cinematográfica, televisiva o radiofónica.
Allen, Allan Stewart Konigsberg: Llamado Woody. Director y actor de cine estadounidense. Revelado como uno de los grandes directores cómicos de su país, con el tiempo abordó temas dramáticos de entidad, inspirados en Bergman (La última noche de Boris Grushenko, 1975; Manhattan, 1979; La rosa púrpura del Cairo, 1985; Hanna y sus hermanas, 1986; Delitos y faltas, 1990; Maridos y mujeres, 1992; Misterioso asesinato en Manhattan, 1993; Balas sobre Broadway, 1994; Poderosa Afrodita, 1995).
Almodovar, Pedro: Director de cine español, nacido en Calzada de Calatrava (Ciudad Real). Inició su carrera con la realización de películas independientes y en colaboraciones con el grupo teatral Los goliardos. Autodidacto, su cine es personal, melodramático y popular (Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, 1980; Laberinto de pasiones, 1982; ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, 1984; Matador, 1985; Mujeres al borde de un ataque de nervios, 1987; La ley del deseo, 1988; Átame, 1989; Tacones lejanos, 1992; Kika, 1993; La Flor de mi secreto, 1995).
Animación: Técnica cinematográfica con la que se consigue dar a dibujos u objetos inanimados sensación de movimiento.
Apogeo: Grado máximo de grandeza, perfección, poder, etc.
Arquetipos: Idea que sirve de modelo a otra. Modelo original y primario en un arte u otra cosa.
Audacia: Osadía, atrevimiento, descaro.
Banda Sonora: Parte de la película en la cual se graba el sonido.
Bicromía: Impresión en dos colores.
Butacas: Silla de brazos con el respaldo inclinado hacia atrás. Asiento de teatros y cines.
Calidad: Propiedad o conjunto de propiedades propias de una cosa, que sirve de referencia para compararla con otras de su misma especie. En sentido absoluto, superioridad o excelencia.
Cámara: Aparato que permite captar imágenes fijas (cámara fotográfica) o animadas (cámara de cine o televisión) mediante un sistema de registro determinado. C. cinematográfica. La que permite el registro de imágenes y sonido sobre una película de material fotosensible.
Camerino: Camarín, habitación donde los actores se preparan para la representación.
Campo: Ámbito real o ficticio de una actividad, idea o materia.
Cantinflas, Mario Moreno Reyes: Actor cinematográfico mexicano, nacido en Ciudad de México. Encarnó un tipo cómico, entre payaso y pícaro, de gran éxito (Ahí está el detalle, J. Bustillo Oro, 1940; La Vuelta al Mundo en Ochenta Días, M. Anderson, 1955; El Padrecito, M.M. Delgado, 1964; Don Quijote Cabalga de Nuevo, R. Gabaldón, 1972; El Barrendero, M.M. Delgado, 1982).
Casablanca: Filme estadounidense, dirigido en 1943 por Michael Curtiz e interpretado por Humphrey Bogart e Ingrid Bergman. La acción se desarrolla durante la segunda guerra mundial en la ciudad marroquí que da nombre a la película, refugio de huidos del régimen nazi que esperaban la oportunidad de alcanzar algún país aliado.
Celebridad: Fama, renombre de una persona o cosa. Persona famosa.
Centelleo: Brillo, destellos de luz intermitentes y de intensidad variable.
Chaplin, Charles Spencer: Llamado Charlie. Actor, director y productor de cine británico. Instalado en EE UU en 1912, fue
contratado por M. Sennett y creó un arquetipo cómico, Charlot, de gran éxito en todo el mundo. Como productor y director, se distinguió por sus rodajes muy preparados, con absoluto control de la producción y de la distribución y con la composición autógrafa de la música.
Cine de Autor: Aquel realizado por un director que a su vez es el guionista y controla la producción técnica.
Cine Mudo: Aquel en que la proyección es silenciosa, sin acompañamiento de sonidos y voces.
Cine Sonoro: Aquel en que la proyección va acompañada de sonidos y voces.
Cine: Apócope de cinematógrafo, local o edificio destinado a la proyección de películas cinematográficas. Apócope de cinematografía.
Cineasta: Persona que interviene en la confección de una película cinematográfica, desarrollando una tarea como director, actor, productor, etc.
Cinematografía: Arte de representar imágenes en movimiento por medio del cinematógrafo. Industria cinematográfica.
Cinematógrafo: Procedimiento óptico-mecánico que descompone el movimiento en una serie de imágenes fijas y que permite su posterior reproducción sobre una pantalla. Edificio o local en el que se exhiben películas cinematográficas.
Cinta: Película cinematográfica.
Color: Sensación visual producida por las ondas electromagnéticas de longitud de onda comprendida entre 3.600 Ä (violeta) y 7.800 Ä (rojo), difundidas o reflejadas por un cuerpo.
Comedia: Obra dramática, a menudo de enredo y con final feliz. Género cómico.
Comercializar: Dar a los productos condiciones y organización comercial para su venta.
Copias: Duplicado en positivo de una película cinematográfica o de una fotografía.
Copión: Película que se obtiene empalmando todos los planos, y con la que se procede al montaje definitivo.
Cortometraje: Película cinematográfica de longitud inferior a los 1.000 m (35 minutos de duración).
Crítica: Arte de juzgar la calidad, bondad y belleza de las cosas. Juicio sobre una obra literaria o artística. Conjunto de críticos de arte, literatura, etc.
Cromática: Perteneciente o relativo a los colores.
Cronofotografía: Serie de fotografías tomadas de un sujeto u objeto en movimiento, a intervalos predeterminados, que permite
su descomposición en fases sucesivas y constituye la base del cinematógrafo.
Cúmulo: Montón de cosas sobrepuestas.
Decorados: Conjunto de elementos con que se simula un lugar en las representaciones teatrales.
Director: Máximo responsable de la ejecución y de la calidad artística de una película, que manda sobre un equipo de técnicos y de artistas.
Disney, Walter Elias: Llamado Walt Productor y director cinematográfico estadounidense. Tras alcanzar el éxito en 1928 con los cortos del ratón Mickey, pudo crear su propia productora, Walt Disney Productions, de la que surgieron las películas de dibujos animados que le convirtieron en el mayor creador de la especialidad (Blancanieves y los Siete Enanitos, 1.937, Pinocho, 1940; Fantasía, 1940; Dumbo, 1941; Bambi, 1942; La Cenicienta, 1950; Peter Pan, 1953; La Dama y el Vagabundo, 1955; La Bella Durmiente del Bosque, 1959; 101 Dálmatas, 1961; Mary Poppins, 1.964, El Libro de la Selva, 1967, Aladdin, 1.992, El Rey León, 1.994, Pocahontas, 1.995, Toy Story, 1.996 y El Jorobado de Notre Dame, 1.996, Hércules, 1.997).
Documental: Película que muestra escenas tomadas de la realidad con propósito informativo o pedagógico.
Drama: Género literario que comprende las obras escritas para ser representadas. Obra de teatro, especialmente la de tema serio o penoso.
Dramático: Perteneciente o relativo al drama. Dícese del género en que están escritas las obras destinadas a ser representadas.
Efecto Especiales: Procedimientos que permiten intervenir sobre el contenido visual o sonoro de las escenas presentadas al espectador. La denominación engloba las diferentes técnicas con las que se crean efectos artificiales mediante la manipulación de los parámetros (velocidad, iluminación, etc.) que caracterizan la imagen registrada por la cámara cinematográfica.
Emplazamiento: Situación, colocación.
Emulsiones: Las emulsiones de una película son capas delgadas de gelatina sensibles a la luz que reaccionan químicamente para registrar el color y los espacios sombreados de un motivo. En la fotografía en blanco y negro sólo es necesaria una emulsión debido a que es la cantidad de luz y no el color la que activa la reacción química. La película de color requiere tres capas de emulsión, cada una de ellas es sensible sólo a uno de los colores primarios de la luz: azul, verde o rojo. Como la luz atraviesa las tres capas, cada una de ellas registra sólo la zona donde aparece el color del motivo al que es sensible.
Encasillar: Poner en casillas. Clasificar, ordenar. Clasificar actores, en especial de modo arbitrario.
Episodios: Cada uno de los sucesos que, enlazado con otros, forma un todo o conjunto. Cada una de las acciones parciales o de las partes integrantes de la acción principal en una obra.
Escandinava: Relativa a Escandinavia, región de la Europa septentrional que, en su acepción restringida, comprende los estados de Suecia, Noruega y Dinamarca.
Escenario: Parte del teatro dispuesta para que en ella se pueda colocar el decorado y representar obras dramáticas.
Espectáculo: Función, recital u otra diversión o entretenimiento público, que tiene lugar en un teatro, en un circo o en otro edificio o lugar en que se reúne gente para presenciarlo, o que se ofrece por televisión.
Estereoscopio: Instrumento óptico que permite contemplar imágenes en relieve. En el estereoscopio, la sensación tridimensional se consigue a partir de dos imágenes fotográficas tomadas desde puntos de vista correspondientes a la posición de los ojos. A partir de aquí, un par de lentes asociadas a dos espejos facilitan una visión de las dos imágenes, equivalente a la que se obtendría si el origen óptico estuviera únicamente en un punto, lo cual, observado con los dos ojos, da la sensación de profundidad estereoscópica que es propia de la observación directa de un objeto tridimensional.
Estrella: Persona que sobresale en su profesión por sus dotes excepcionales, especialmente la que se dedica al espectáculo.
Estrellato: Condición de la persona que ha triunfado en su profesión y se ha convertido en una estrella.
Estudio: Conjunto de edificios o dependencias destinado a la grabación de películas de cine, programas de radio o televisión, etc.
Exhibición: Proyección de una película cinematográfica.
Fama: Noticia u opinión general sobre alguien o algo. Opinión generalizada y muy difundida sobre la excelencia de alguien en su profesión o arte. Renombre, celebridad.
Fantástico: Género literario o cinematográfico que hace referencia a lo sobrenatural, a la magia, al terror o a la ciencia ficción.
Fenaquistiscopio: Aparato que produce la ilusión del movimiento, inventado por J. Plateau en 1832.
Film: Película cinematográfica.
Filmar: Impresionar en una película cinematográfica o en una cinta de vídeo las imágenes que se proyectarán con posteriori-dad.
Filmografía: Conjunto de filmes de un actor, un director, etc.
Financiar: Aportar el dinero necesario para una empresa. Sufragar los gastos de una actividad, obra, etc.
Flash-back: (voz inglesa) Evocación retrospectiva inserta en la acción principal.
Fotografía: Denominación que engloba todos los procesos de obtención de imágenes permanentes basados en la utilización de los efectos de sensibilidad a la luz por parte de ciertas sustancias químicas y materiales (por regla general, compuestos de plata del grupo de los haluros).
Fotograma: Cada una de las fotografías que componen una película cinemato-gráfica.
Fraguar: Idear, discurrir y planear alguna cosa.
Franco:. Nombre de diversas unidades monetarias antiguas francesas. Unidad monetaria vigente en Francia desde la Revolución, sustituida en 1960 por el franco nuevo, con valor de 100 francos antiguos.
Gaumont, Léon: Inventor e industrial francés. Ideó el cronofotógrafo, aparato capaz de fotografiar un objeto móvil y obtener instantáneas sucesivas de cada fase del movimiento. Realizó diversos experimentos de cine sonoro y ensayó el sistema tricrómico para la producción de filmes en color. Está considerado como uno de los primeros nombres importantes de la industria cinematográfica.
Género: Carácter común esencial aplicable a una clase de películas.
Guión: Relación escrita y detallada de la acción, los diálogos y los personajes de una película cinematográfica, o de un programa de televisión o radiofónico. G. Técnico. Guión literario de una película, que con-tiene las indicaciones técnicas pertinentes: secuencias, planos, movimientos, etc.
Guionista: Persona especializada en hacer guiones de cine, radio o televisión.
Hollywood: Ciudad de EE UU en el estado de California. Fundada en las primeras décadas del s. XX con la instalación de los primeros estudios de cine, actualmente es un barrio residencial al NO de Los Ángeles donde se hallan los principales estudios cinematográficos norteamericanos.
Iluminación: Conjunto de luces destinadas a iluminar grandes superficies, como un estadio deportivo, o un espectáculo, una representación teatral, el rodaje de una película, etc.
Imagen: Reproducción visual de la figura de un objeto sobre un espejo, pantalla, etc.
Inaugurar: Abrir solemnemente un establecimiento público. Celebrar el estreno de una película, edificio o monumento de utilidad pública.
Innovar: Cambiar las cosas, introduciendo novedades.
Inventar: Imaginar el artista su obra.
Largometraje: Película cinematográfica cuya duración sobrepasa los sesenta minutos.
Lumière, Auguste: Biólogo e industrial francés. Colaboró con su hermano Louis en la fabricación de la primera cámara de filmación cinematográfica y realizó importantes trabajos de luminotecnia y cinematografía. Después se inclinó por el estudio de los coloides en fisiología.
Lumière, Louis: Químico e industrial francés. Ideó el mecanismo de arrastre de la película, lo que le permitió, con la cola-boración de su hermano Auguste, construir el primer aparato cinematográfico en 1895.
Méliès, Georges: Director y productor de cine francés. Procedente del campo del ilusionismo, fue uno de los pioneros de la cinematografía. Ha sido reconocido como el creador del cine fantástico. Descubrió gran cantidad de trucajes y cultivó también el cine histórico y publicitario. Entre sus obras más notables destacan: El hombre de la cabeza de caucho (1901), Viaje a la Luna (1902), A la conquista del Polo (1912). Realizó unas 500 películas para su empresa Star Film hasta 1914, fecha en que se retiró.
Melodrama: Drama popular que trata de conmover por la violencia y el sentimentalismo de las situaciones. Obra dramática cantada y puesta en música o declamada y sostenida por un acompaña-miento musical.
Monocromos: De un solo color.
Montaje: Operación de seleccionar, ordenar y empalmar los diversos elementos (imagen, sonido) que componen una película.
Movimiento: Estado de los cuerpos mientras cambian de lugar o de posición.
Muybridge, Edward Muggeridge: Fotógrafo británico. Fue un pionero de la fotografía del movimiento y de la cinematografía. Inició sus pruebas en 1872, y en 1878 registró cada momento, en una famosa secuencia titulada «Caballo al Galope».
Negativo: Imagen que se forma al revelar un cliché fotográfico, cuyos tonos claros y oscuros se hallan invertidos.
Neorrealismo: Movimiento cinematográfico italiano desarrollado a partir de la II Guerra Mundial (1945), que buscaba la máxima veracidad en sus creaciones a través de personajes y temas cotidianos, inmersos en una problemática social.
Nórdico: Perteneciente o relativo a los pueblos del norte de Europa.
Noticiario: Película cinematográfica en la que se ilustran brevemente hechos y sucesos actuales.
Original: Dícese de la obra científica, artística, literaria o de cualquier otro género producida directamente por su autor, sin ser copia, imitación o traducción de otra.
Pantalla: Superficie blanca que sirve para proyectar sobre ella, imágenes cinematográficas y fotográficas.
Patente: Documento en que consta la obtención de un privilegio o permiso para algo concreto.
Pathé, Émile y Charles: Pioneros franceses de la cinematografía. Junto con su hermano Jacques, fundaron la empresa Pathé
Frères (1896), que centró su actividad en el campo de la cinematografía y dio lugar más tarde a la Pathé Cinéma. En 1907 lanzaron el primer noticiario semanal de actualidades y en 1918 iniciaron la producción de gramófonos. En 1927 se asociaron con Kodak para la producción de material cinematográfico (cámaras y película virgen).
Película: Cinta de material flexible, resistente y transparente sobre la cual se impresionan imágenes fotográficas o cinematográficas. Cinta impresionada con estas imágenes. Obra cinematográfica.
Perspectiva: Conjunto de objetos que se presentan a la vista desde un punto determinado y producen en el espectador una impresión determinada.
Pioneros: Persona que inicia la exploración Precursor, adelantado en alguna actividad humana.
Postrimerías: Último período de la duración de una cosa, o de una época determinada.
Prodigio: Suceso extraño o maravilloso que excede las leyes naturales. Persona, cosa o hecho singular, que manifiesta caracteres excepcionales.
Producción: Etapa de la preparación de una película, programa o emisión.
Productor: Empresario o entidad que financia la producción de películas, programas o emisiones.
Productora: Empresa o asociación de personas que se dedican a la producción cinematográfica o discográfica.
Proyección: Acción de proyectar imágenes sobre una pantalla.
Público: Conjunto de personas que comparten las mismas aficiones o concurren a un mismo lugar para asistir a un espectáculo u otra cosa semejante.
Raccord: (voz francesa) Correcta continuidad de los elementos visibles de la imagen de un plano en el que le sigue.
Relevante: Notable, excelente, importante, significativo.
Representar: Hacer un determinado papel en una obra de teatro o cinematográfica.
Rodaje: Acción y efecto de rodar una película cinematográfica.
Sátira: Dicho o discurso mordaz, irónico y picante destinado a ridiculizar a una persona o cosa.
Sinatra, Francis Albert: Llamado Frank. Nacido en Hoboken (New Jersey), fue uno de los actores y cantantes estadounidenses
Sintaxis: Ordenación de palabras en un discurso, oración o diálogo.
Spielberg, Steven: Director de cine estadounidense, nacido en Cincinnati (Ohio). Las imaginativas películas de Steven Spielberg son conocidas por sus efectos especiales y por sus personajes. Muchas de ellas, como Tiburón, E.T., En Busca del Arca Perdida y Jurasic Park han cosechado algunos de los más grandes éxitos de taquilla.
Superproducción: Obra cinematográfica que se presenta como excepcionalmente importante y de gran costo.
Supremacía: Grado supremo. Superioridad jerárquica.
Taquilla: Casillero donde se despachan las entradas de cine.
Taquillera: Película que consigue atraer gran cantidad de público.
Tecnicolor: Procedimiento que permite reproducir en la pantalla cinematográfica los colores de los objetos.
Técnicas: Conjunto de procedimientos de que se sirve una ciencia o arte.
Telefilms: Film especialmente realizado y concebido para ser transmitido por televisión.
Ticket: Billete de cine, teatro, etc.
Tiraje: Operación que consiste en sacar copias a partir de un negativo.
Toma: Acción y efecto de fotografiar y filmar.
Tricomía: Impresión en tres colores.
Trivial: Carente de toda importancia y novedad.
Trucajes: Técnica que permite obtener efectos especiales manipulando las imágenes filmadas.
Trust: Vasta asociación financiera de grandes industriales que trata de monopolizar una determinada industria.
Welles, Orson: Actor, productor, autor y sobre todo director de cine estadounidense, nacido en Kenosha (Wisconsin), que alcanzó pronta fama con su debut en Ciudadano Kane (1.941), escrita dirigida y protagonizada por él mismo, cuando contaba con sólo 25 años.
Western: Género cinematográfico que sitúa la acción en el marco del oeste norteamericano durante la época de su colonización y que se caracteriza por su dinamismo y la presencia de personajes como el indio, el vaquero, el shérif, etc.
Zona: Demarcación establecida a ciertos efectos.
Zoótropo: Fue el primer dispositivo capaz de generar la ilusión de movimiento, en él la secuencia de posiciones está dispuesta en una banda interna circular que permite generar de manera ininterrumpida la misma secuencia. El efecto de animación de imágenes se basa en la capacidad de retención de la retina cuando se observan en rápida secuencia las diversas posiciones de un movimiento